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« Dangereux privilèges » – Un thriller mexicain captivant sur Netflix : Les adolescents privilégiés et leurs sombres

« Dangereux privilèges » est un film Netflix avec Juan Pablo Fuentes, Ximena Lamadrid, Fernando Cattori et Renata Manterola. Il est écrit par Santiago Mohar Volkow et réalisé par Humberto Hinojosa Ozcariz.

« Dangereux privilèges » émerge avec l’intensité d’un thriller, offrant une représentation vivante d’adolescents égarés, indulgents et moralement corrompus. Ce qui, au départ, semble vouloir faire écho au ton troublant de « Funny Games » (1997) se transforme en un thriller policier captivant qui explore les répercussions désastreuses des actes irréfléchis perpétrés par ces jeunes choyés.

D’un point de vue cinématographique, ce film excelle grâce à des performances remarquables, des images saisissantes et un rythme bien dosé. L’exécution technique des éléments du thriller est compétente et convaincante, ce qui en fait une expérience cinématographique digne d’intérêt.

Synopsis de l’intrigue

Une clique d’adolescents privilégiés, cherchant à échapper à leur ennui, se lance dans une série d’activités criminelles qui s’avèrent désastreuses, entraînant dans leur sillage des spectateurs innocents.

A propos du film

« Dangereux privilèges » oscille habilement entre le commentaire social et le thriller pur, mais penche finalement plus vers ce dernier. Au départ, le film semble offrir une narration moralisatrice, une notion qui est maintenue tout au long du premier segment. Cependant, il se transforme progressivement en un récit captivant et engageant qui explore les retombées des soi-disant « farces » de jeunesse de ces personnages.

Avec des performances solides et une esthétique visuellement captivante, « Dangereux privilèges » impressionne par son rythme, son montage et sa profondeur atmosphérique. Les personnages dégagent une allure macabre, empêtrés dans la perversion, la criminalité et le péché. Bien qu’il s’agisse d’une exploration éthique des conséquences d’actions immorales, la poursuite incessante de la transgression par les personnages ajoute une couche d’attrait irrésistible.

Le film excelle dans sa mise en scène et sa cinématographie, présentant des séquences à la fois esthétiques et précises sur le plan rythmique.

Notre point de vue

« Dangereux privilèges » est-il un thriller sur les ramifications du péché ? Une critique des disparités sociales ? Une description de la stratification sociale du Mexique ? Ou simplement un film d’action divertissant ? Ce film présente de multiples facettes à travers lesquelles il peut être interprété, et c’est peut-être cette nature à multiples facettes qui fait de « Dangereux privilèges » une œuvre cinématographique fascinante et complexe, transcendant son apparence initiale de récit centré sur la jeunesse, qui met en scène des adolescents privilégiés et déviants.

Retrouvez ce film mexicain intrigant sur Netflix à partir du mercredi 28.

Où regarder « Dangereux privilèges »

Netflix

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La galerie David Winton Bell de l’université Brown est fière d’annoncer l’exposition de Franklin Williams

Providence, RI, 27 août 2024 | La David Winton Bell Gallery (The Bell) de l’Université Brown est ravie de dévoiler la prochaine exposition, Franklin Williams : It’s About Love, qui sera présentée du 19 septembre au 8 décembre 2024. Il s’agit de la première rétrospective institutionnelle de l’artiste octogénaire Franklin Williams (né en 1940) sur la côte Est. It’s About Love se penche sur l’ensemble de l’œuvre multimédia dynamique et texturée de Williams, méticuleusement élaborée au cours d’une période de soixante ans grâce à une pratique disciplinée en studio. L’exposition présentera 40 pièces, dont des sculptures, des toiles multimédias complexes et des œuvres sur papier, toutes débordantes de couleurs, de textures et de formes organiques. Souvent considérées comme des précurseurs et des contemporains du Pattern and Decoration Movement des années 1970, ainsi que de plusieurs mouvements artistiques de la côte ouest comme le California Funk et le Nut Art, les créations de Williams résistent à une classification simple. Intégrant la peinture et le dessin aux travaux d’aiguille, au crochet et à d’autres arts de la fibre qu’il a appris de sa famille pendant son enfance dans l’Utah rural, l’œuvre intensément personnelle de Williams incorpore des motifs et des formes symboliques, équilibrant figuration et abstraction, rigueur et fantaisie, tout en explorant les thèmes de l’amour familial et romantique, de la mort, du chagrin et du désir avec humour et tendresse.

Pink Tea, 1972. Acrylic and twine on canvas.
Pink Tea, 1972. Acrylic and twine on canvas.

La rétrospective est ancrée dans une exploration des soixante années que Williams a consacrées à une pratique quotidienne et contemplative de l’atelier. Depuis 1970, Williams vit et travaille dans sa maison de Petaluma, en Californie, avec sa femme Carol Williams, qui est sa collaboratrice et la directrice de son studio. Son studio est une extension de leur maison, où les murs sont ornés, comme dans un salon, d’objets ancestraux qui influencent sa pratique. Ses propres peintures et dessins sont exposés aux côtés des courtepointes, meubles et œuvres d’art faits main de sa mère, de son père et de son oncle paternel. Élevé dans un environnement riche en art et en poésie, l’émergence de Williams en tant qu’artiste visuel a été profondément façonnée par ce contexte, alimentant son approche autobiographique tout au long de sa longue carrière. Encouragé par ses parents, qui ont reconnu son talent malgré les difficultés scolaires causées par un trouble de la vision des couleurs (CVD) et une dyslexie non diagnostiqués, Williams s’est vu offrir un studio dès son plus jeune âge. Artiste autodidacte qui a appris à lire au milieu de la trentaine tout en enseignant à plein temps au San Francisco Art Institute et au California College of the Arts, Williams incarne une éthique autodidacte sceptique à l’égard du monde de l’art international, mais il a également mené une carrière d’enseignant profondément marquante dans la région de la baie. « Je continue à travailler aussi profondément que possible vers l’intérieur, jusqu’à ce que j’entende mon propre cœur et le sifflement de mon corps, et parfois je n’ai besoin de rien d’autre que de ce que je suis », réfléchit Franklin Williams.

Three Blue Fingers, 1969. Acrylic, yarn and crochet thread on canvas stuffed with cotton batting, plastic, and wood.
Three Blue Fingers, 1969. Acrylic, yarn and crochet thread on canvas stuffed with cotton batting, plastic, and wood.

Bien que la taille, l’échelle et la palette des œuvres de Williams aient évolué au fil des ans, son utilisation de la couleur reste vibrante et non conventionnelle, influencée par son déficit de vision des couleurs (CVD) qui altère sa perception des couleurs par rapport à la norme. Ses toiles sont empreintes d’une émotion intense. Les joies de la paternité et l’amour profond pour sa femme révèlent que l’œuvre de Williams est profondément personnelle et diariste. Carol sert de muse pour une grande partie de sa figuration et pour presque tous les corps féminins dans des tableaux tels que Twins (Part 1 & 2) (1976) et Standing Figure (circa 1990). Ces œuvres à forte charge érotique sont dévotionnelles, entremêlant l’amour et la sexualité dans des formes humaines et des organes corporels vivement colorés, devenant des portraits de l’intimité, du mariage et des moments de deuil. Certaines œuvres de l’exposition évoquent des périodes de douleur intense, comme la perte d’une petite fille dans Baby Girl #2 (1970) et Baby Girl #4 (1971) ; le décès du père de Williams dans Last Gate (1982) ; et la mort imminente de sa mère dans Cutting Apron Strings (1982).

À l’inverse, il y a aussi des portraits de famille joyeux comme Pink Tea (1972), et des célébrations des voyages internationaux annuels qui ont ponctué leur vie à Petaluma, dépeints dans Secret Sweet Slovakia (2020) et Portrait 5 (2015). L’approche ludique de Williams à l’égard des matériaux, des sujets et des couleurs a persisté depuis ses premières sculptures molles, incluses dans l’exposition, jusqu’à ses dernières peintures et dessins tels que Fez Feeds Lovable Beauty (2020) et Sensuous Submission (2021). Williams considère la création artistique comme un don extraordinaire, un processus quasi mystique qui canalise ce qu’il appelle « la beauté, le mystère et le mythe » sous une forme visuelle, capturant les hauts et les bas d’une vie profondément immergée dans l’amour.

Le Lincoln Center et le Buglisi Dance Theatre dévoilent « Table of Silence Project 9/11 », une expérience personnelle et virtuelle

Le matin solennel du mercredi 11 septembre 2024, à 8 h 05 précises, le Buglisi Dance Theatre, en collaboration avec le Lincoln Center for the Performing Arts, organisera la 14e édition annuelle du « Table of Silence Project 9/11 », un rituel de performance publique évocateur et un plaidoyer mondial en faveur de la paix. Cet événement, gratuit, se déroulera en direct sur la place Josie Robertson du Lincoln Center et sera retransmis en ligne à l’intention du public du monde entier.

« En semant des graines d’espoir, nous reconnaissons la nécessité de la guérison, de la compassion et du courage nécessaire pour provoquer le changement ». – Directrice artistique et chorégraphe Jacqulyn Buglisi.

Jacqulyn Buglisi, directrice artistique du Buglisi Dance Theatre, a conçu et chorégraphié la « Table of Silence Project 9/11 », dont la première a eu lieu en 2011 pour commémorer le 10e anniversaire des attentats du 11 septembre. Au fil des ans, cette œuvre poignante s’est transformée en une tradition annuelle durable, qui trouve un écho profond auprès des publics du monde entier, car elle aborde des questions contemporaines urgentes telles que la justice sociale, la durabilité environnementale et la quête universelle de la liberté face à l’oppression.

« Nous sommes immensément honorés de présenter cette œuvre marquante, qui offre aux New-Yorkais et aux spectateurs du monde entier un moyen significatif de se souvenir de ceux que nous avons perdus », a déclaré Shanta Thake, directrice artistique d’Ehrenkranz au Lincoln Center for the Performing Arts. « L’art joue un rôle essentiel dans le développement de la communauté, du réconfort et de la compréhension commune au cours de notre vie. Nous sommes fiers de collaborer avec le Buglisi Dance Theatre sur ce projet important, année après année ».

Le spectacle de cette année mettra en vedette une éminente collaboration d’artistes, dont la cofondatrice, maître de cloches et première danseuse du Buglisi Dance Theatre, Terese Capucilli, l’artiste visuelle Rossella Vasta, le compositeur et violoniste Daniel Bernard Roumain, la première danseuse Virginie Mécène, La compositrice et percussionniste Paula Jeanine Bennett, l’artiste de la conque et de la flûte John Ragusa, les percussionnistes Jeremy Smith et Stahv Danker, la soprano Carla Lopez-Speziale, la productrice de films et de vidéos Nel Shelby de Nel Shelby Productions, et plus de 150 danseurs engagés pour la paix. Parmi les artistes de renom figurent Lloyd Knight, Blakeley White-McGuire, Leslie Andrea Williams, Lauren Jaeger, Jessica Sgambelluri, Jai Perez et Isabella Pagano.

Table of Silence Prologue Photo by Paul B Goode 2020
Table of Silence Prologue Photo by Paul B Goode 2020

À l’aube, plus de 150 danseurs, vêtus de blanc éthéré, monteront sur la Josie Robertson Plaza, guidés par le son primitif d’une conque appelant à la vérité, à l’unité et à la paix. Se déplaçant de manière synchronisée, les danseurs seront accompagnés par des violons, des flûtes, des saxophones, des trompettes, des cloches, des chanteurs et par le « battement de cœur » résonnant des grosses caisses. Ils effectueront 12 gestes rituels, répétés par séquences de dix, en formant trois cercles concentriques autour de l’emblématique fontaine Revson, créant ainsi un labyrinthe de la paix. Cet espace sacré sera imprégné de l’énergie transcendante d’un mandala, reliant les danseurs et les spectateurs aux rituels de guérison de la nature. À 8 h 46 précises, les danseurs lèveront les bras vers le ciel dans un geste puissant de paix universelle.

Envisagée comme un rituel de performance multiculturel pour la paix, la « Table of Silence Project 9/11 » vise à éveiller la compassion et l’unité, en transcendant toutes les frontières culturelles et géographiques grâce à une expérience partagée de résilience. Alors que ce travail continue d’évoluer, il reste un puissant rituel de guérison, abordant les défis urgents de notre époque et servant de voix à ceux qui souffrent de l’oppression systémique.

Présenté par le Lincoln Center en partenariat avec le Buglisi Dance Theatre, le « Table of Silence Project 9/11 » est une initiative du Arnhold Dance Innovation Fund. L’événement bénéficie du soutien de nombreux partenaires communautaires, dont Chelsea Factory, The Juilliard School, Martha Graham Dance Center, Alvin Ailey American Dance Theater, Limón, Gibney Dance Center, entre autres. La représentation sera retransmise en direct à un public mondial, perpétuant ainsi une tradition qui a touché plus de 4,4 millions de téléspectateurs dans les 50 États américains et 235 pays et territoires.

« L’Envers du sport : Voleur de signaux » Le scandale de Michigan State et le vol présumé d’un panneau en 2023 ont un nom bien à eux : Connor Stalions

« Voleur de signaux » est un documentaire de la série sportive« L’Envers du sport » (Untold). Il est réalisé par Micah Brown.

La légendaire équipe de football de l’État du Michigan a toujours eu du mal à vaincre l’État de l’Ohio. Depuis sa victoire au championnat national en 1997, l’équipe de Michigan State s’est trouvée dans l’impossibilité de vaincre l’Ohio State, ce qui constitue un dilemme de longue date. C’est là qu’entre en scène Connor Stalions, un ancien marine dont la passion pour le football universitaire remonte à son enfance.

Dans le monde du football universitaire, aucune équipe n’a fait autant de vagues que Michigan State en 2023, lorsqu’un scandale important a éclaté. La controverse portait sur un mystérieux personnage portant des lunettes de soleil lors des matchs, Connor Stalions. Dans le monde du football universitaire, les entraîneurs transmettent les jeux à leurs joueurs par des signaux complexes, les communications téléphoniques ou radio étant strictement interdites. Par conséquent, les entraîneurs sont souvent vus en train de faire des gestes sauvages pour indiquer leur prochain mouvement stratégique.

Ces signaux constituent un langage complexe qui leur est propre, avec des leurres et plusieurs entraîneurs qui signalent simultanément pour confondre l’adversaire. Il est interdit d’enregistrer les matchs pour décoder ces signaux, ce qui crée une culture clandestine dédiée à leur décryptage. Alors qu’il est permis de regarder les matchs à la télévision, Michigan State a découvert un talent remarquable dans l’art du décryptage des signaux : Connor Stalions. Cependant, il est crucial de noter que le vol des signaux des adversaires est explicitement contraire aux règles de la NCAA.

À propos du documentaire

« Voleur de signaux » est un documentaire captivant qui présente le témoignage de Connor Stalions, qui révèle comment il a accompli ses exploits et donne un aperçu du monde du football universitaire. À partir de 2021, Connor a joué un rôle essentiel dans la remarquable série de victoires du Michigan, au cours de laquelle l’équipe a constamment battu son ennemi juré, l’Ohio State. Cette série, menée par l’entraîneur Jim Harbaugh des Michigan Wolverines, semblait presque miraculeuse.

Le documentaire « Voleur de signaux » explore en profondeur le système ingénieux de Connor Stalions. Il a méticuleusement constitué une vaste base de données sur les tendances du marché en matière de transferts de joueurs, sur les signaux émis par les différentes équipes, etc. Cette base de données complète a permis au Michigan d’acquérir un avantage concurrentiel considérable, grâce à l’intelligence stratégique de cet ancien capitaine du corps des Marines.

En 2023, Michigan State a remporté une victoire historique sur Ohio State et s’est qualifié pour le championnat national. Avec Connor Stalions orchestrant ses stratégies depuis le champ arrière, Michigan State a fait preuve d’un contrôle inégalé sur tous les aspects du jeu, prédisant et contrant chaque passe et chaque course sur le terrain.

L’annonce du scandale a provoqué une onde de choc dans le monde du sport. Yahoo Sports a rapporté que la NCAA avait ouvert une enquête sur Michigan State pour avoir prétendument volé les signaux de l’équipe adverse, ce qui constitue une violation flagrante des règlements de la NCAA. Le Washington Post a publié des allégations selon lesquelles l’État du Michigan avait déployé des espions dans les matchs de ses adversaires pour enregistrer et voler les signaux, ce qui lui conférait un avantage substantiel.

Le cœur de la controverse réside dans la pratique interdite d’enregistrer des matchs et d’envoyer des individus espionner les adversaires, deux pratiques strictement interdites. Connor Stalions était-il le cerveau d’un réseau d’espionnage de Michigan State qui lui a conféré un avantage compétitif ? Le Michigan a-t-il effectivement enfreint les règles en 2023 ? Comment cette saga scandaleuse s’est-elle finalement déroulée ?

Dans un autre documentaire captivant de « L’Envers du sport », Connor Stalions lui-même élucide les mystères et apporte des réponses à ces questions brûlantes.

Où regarder « L’Envers du sport : Voleur de signaux »

Netflix

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« Adam Sandler: Love You » : Le côté plus sensible et musical d’Adam Sandler

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Adam Sandler joue dans « Love You », une comédie spéciale réalisée par Joshua Safdie.

Dans « Love You », le célèbre comédien américain Adam Sandler dévoile un personnage plus mature, s’éloignant de l’humour typique associé à ses productions Happy Madison. Ici, Sandler aborde des thèmes adultes, parle souvent de sexe, fait des blagues sur les clowns qui fument et commente avec humour l’éducation des jeunes enfants. Mais ce qui ressort le plus, ce sont ses prouesses musicales : il joue magistralement de la guitare et chante dans différents genres, tout en faisant preuve d’un humour typiquement new-yorkais.

Le spectacle débute par une impressionnante séquence d’une seule prise, à la fois louable et hilarante. Cette ouverture sert de déclaration d’intention, signalant le passage d’un contenu familial à un style comique plus sombre et plus audacieux. La performance de Sandler est rafraîchissante et sans exagération, présentant une routine de stand-up qui semble naturelle et pleine d’imperfections intentionnelles, mais amusantes.

Dans « Love You », Sandler réinvente son approche comique, offrant un spectacle résolument plus nocturne, sombre et audacieux. Cette version adulte de Sandler est à savourer. Profitez-en.

Où regarder « Adam Sandler: Love You »

Netflix

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La comédie coréenne « Pas de profit, pas d’amour » sur Prime Video : Weddings, une aventure hilarante avec un personnage principal débordant de personnalité

« Pas de profit, pas d’amour » est une série sud-coréenne avec Shin Min-ah et Kim Young-dae.

Les mariages sont depuis longtemps une entreprise commerciale, un point focal économique qui revêt une grande importance depuis le Moyen Âge en Europe. Que vous soyez riche, membre de la royauté ou simple citoyen, les implications économiques sont importantes. La Corée du Sud n’est pas différente à cet égard, et la série « Pas de profit, pas d’amour » dépeint cette réalité avec perspicacité et humour.

La série met en scène un protagoniste exceptionnellement unique, Son Hae-young, une femme qui aime gagner. C’est un esprit de compétition qui n’a pas de chance dans ses entreprises romantiques ; malgré tous ses efforts, l’amour lui échappe continuellement. Pour Hae-young, le mariage n’est pas seulement une étape romantique, c’est une transaction commerciale, et elle s’est lassée de dépenser de l’argent pour les mariages de ses amis et de ses collègues.

C’est alors qu’entre en scène un homme qui représente son antithèse : il est compatissant, altruiste et se consacre à aider les moins fortunés et à soutenir la communauté sans rien attendre en retour. Naturellement, elle le méprise, mais la frontière entre la haine et l’affection devient évidente, laissant entrevoir un potentiel tournant romantique.

En réponse à ce déséquilibre économique, Hae-young décide de s’y attaquer dans son propre style.

À propos de la série

La série est portée par son protagoniste incroyablement amusant. L’actrice Shin Min-a brille dans un rôle qui offre une riche tapisserie de nuances émotionnelles. Bien que la série soit fondamentalement une comédie romantique, le personnage de Shin Min-a transcende les contraintes typiques du genre, la rendant attachante malgré, ou peut-être à cause de, ses défauts. Le public trouvera ce personnage multidimensionnel attachant, ce qui témoigne de l’habile mélange d’humour et d’humanité de la série.

Nous savons que Netflix et Disney+ ont adopté les séries coréennes, et Prime Video ne fait pas exception à la règle. Les séries coréennes ont gagné l’affection du monde entier, en particulier celles qui sont aussi divertissantes et légères que « Pas de profit, pas d’amour ». Cette série ne manquera pas de susciter plus d’un rire franc.

Bien que Prime Video n’ait diffusé que le premier épisode, les téléspectateurs ont déjà eu le plaisir de s’esclaffer devant les frasques de Son Hae-young, en particulier sa réaction à la fête de mariage de son ex lorsqu’elle a découvert son infidélité.

Par essence, « Pas de profit, pas d’amour » est une série délicieuse conçue pour offrir un répit face aux complexités du monde réel. Tout en soulignant la notion que tout a un aspect commercial à la base, elle prouve que la vie peut toujours être agréable.

Asseyez-vous, détendez-vous et profitez des rires que cette charmante série promet de vous procurer.

Où regarder « Pas de profit, pas d’amour »

Prime Video

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« Longlegs » Film d’horreur : Au-delà de Nicolas Cage, un film d’horreur fantastique d’Osgood Perkins

« Longlegs » est un film d’horreur avec Maika Monroe, Alicia Witt et Blair Underwood. Avec Nicolas Cage. Il est écrit et réalisé par Oz Perkins.

« Longlegs » est avant tout un film à la mise en scène impeccable, au rythme exceptionnel et à la maîtrise extraordinaire du genre horrifique : ambiance pure, esthétique pure et, pour couronner le tout, les performances exceptionnelles de Maika Monroe et de Nicolas Cage. Bien que Nicolas Cage livre une performance puissante et diablement captivante (comme on peut s’y attendre), le film transcende l’implication de l’acteur polyvalent. Il s’agit d’un film d’horreur exemplaire, excellant dans ses facettes techniques, débordant d’innovation esthétique et parfaitement exécuté dans ses décors.

L’histoire peut commencer par un trope familier – presque un cliché – d’un tueur en série, mais elle évolue vers quelque chose de profondément plus terrifiant grâce aux talents du scénariste et du réalisateur, Osgood Perkins, à qui l’on doit cette œuvre d’horreur magistrale.

Résumé de l’intrigue

Le film met en scène deux agents du FBI sur la piste d’un tueur en série qui s’en prend à des familles depuis plusieurs décennies. Il devient rapidement évident que le tueur fait une fixation sur l’un des agents, Lee Harker, et qu’il orchestre les meurtres pour attirer l’attention de Harker.

Longlegs
Longlegs

À propos du film

Le film est saturé d’idées convaincantes sur le plan esthétique : une cinématographie obsédante, des scènes empreintes d’une terreur troublante et un rythme qui, de manière rafraîchissante, ne tombe jamais dans le gore abrutissant. Bien qu’il y ait des scènes gores, elles sont justifiées et ont plus d’impact grâce à leur mise en place méticuleuse, à leur rythme et, surtout, à la superbe mise en scène et à l’atmosphère du film.

« Longlegs » aurait pu être un film de tueurs en série comme les autres, mais il va bien au-delà, offrant une expérience esthétique et narrative de premier ordre. De la cinématographie et des décors au rythme du film et à la photographie, il capture l’essence de ce que l’horreur devrait être mais n’est que rarement. Tous ces éléments s’unissent dans un film qui aurait pu être un autre ratage de Nicolas Cage, mais qui s’avère être un film d’horreur exceptionnel.

Oui, la présence de Nicolas Cage influence indéniablement le film, et il incarne pleinement son personnage, de manière presque méconnaissable. Son interprétation apporte le niveau d’exagération et le flair dramatique qui ont fait sa renommée. Cependant, la palme de l’interprétation revient à Maika Monroe, une actrice exceptionnelle qui s’est taillé une place de choix dans les thrillers d’horreur. Monroe construit son personnage de façon magistrale, mettant en valeur son immense talent et laissant entrevoir son potentiel pour des rôles dramatiques plus importants. Elle est un talent qui ne demande qu’à être reconnu à sa juste valeur.

Notre avis

Ce film témoigne des prouesses du réalisateur Osgood Perkins, qui livre un film d’horreur exceptionnel qui, entre des mains moins compétentes, aurait pu être simplement médiocre. « Longlegs » est un film d’horreur brillant qui se démarque d’un genre déjà bien encombré.

En conclusion, « Longlegs » n’est pas un film d’horreur comme les autres ; c’est un film extraordinaire qui établit une nouvelle norme dans le genre. Il combine tous les éléments essentiels de l’horreur en un récit cohérent et captivant, ce qui en fait un film à ne pas manquer pour tous les amateurs du genre.

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La première exposition d’Euridice Zaituna Kala met en lumière l’histoire architecturale et les inégalités sociales de la ville de New York

La Galerie Anne Barrault est ravie de présenter l’exposition solo inaugurale d’Euridice Zaituna Kala, une artiste distinguée dont le travail stimulant explore l’intersection de l’architecture urbaine et des paysages naturels. Intitulée « En quelques gestes : as if two suns were setting « , l’exposition se tiendra du 31 août au 5 octobre 2024 et promet d’être une exploration fascinante de la façon dont les activités humaines ont façonné et, dans de nombreux cas, exploité l’environnement urbain.

Euridice Zaituna Kala, lauréate de la prestigieuse résidence de recherche Villa Albertine pour la période 2022/2023, centre son exposition sur la relation intrinsèque entre l’architecture de la ville de New York et les plans d’eau qui l’entourent. Son travail cherche à mettre en lumière l’héritage de la domination coloniale et introduit le concept de « ville liquide ». En étudiant méticuleusement la topographie de New York, Kala examine son environnement, son agencement, ses bâtiments et les diverses communautés qui les habitent. Un point central de sa recherche est le rôle de l’eau, un élément qui non seulement encercle la ville mais forme également une frontière dynamique, soulignant les limites du contrôle humain sur la nature.

Le travail d’archive de Kala s’étend au développement historique de la ville de New York, révélant comment sa croissance est intimement liée à la suppression des sources d’eau naturelles depuis ses débuts jusqu’à l’époque coloniale. À l’origine, le territoire était habité par la nation Lenape, qui vivait sur un terrain marqué par des collines et des rivières, caractéristiques aujourd’hui nivelées par le développement urbain. Le nom de Manhattan lui-même est dérivé de « MannaHatta », qui signifie « l’île aux nombreuses collines », un paysage aujourd’hui dominé par d’imposants gratte-ciel.

Dans ses recherches, Kala accorde une attention particulière aux dualités de l’architecture contemporaine en tant que forme de puissance douce. Elle examine minutieusement les luxueux gratte-ciel résidentiels de Manhattan et les oppose aux projets de logements sociaux principalement habités par les communautés noires et latino-américaines. Cette étude comparative souligne les inégalités sociales criantes perpétuées par ces développements architecturaux : tandis que les gratte-ciel opulents s’élèvent dans le ciel, les quartiers modestes sont de plus en plus menacés par la montée des eaux provoquée par le changement climatique.

Les œuvres présentées dans cette exposition sont l’aboutissement des recherches approfondies menées par Kala lors de sa résidence à New York. Chaque pièce offre un commentaire poignant sur l’interaction complexe entre le développement urbain, les récits historiques et la justice sociale, ce qui en fait une exposition incontournable pour tous ceux qui s’intéressent aux liens profonds entre l’architecture et la société.

Galerie Anne Barrault

51 Rue des Archives, 75003 Paris, France

Film d’horreur « Oddity » : L’un des meilleurs films d’horreur de l’année

« Oddity » est un film d’horreur écrit et réalisé par Damian McCarthy avec Gwilym Lee et Carolyn Bracken.

« Oddity » est un film qui est passé inaperçu jusqu’à sa première, un film dont je ne savais rien jusqu’au moment où l’écran s’est allumé. Dès les trois premières minutes, j’ai été captivé. L’atmosphère troublante du film et le sentiment palpable d’incertitude quant à la direction de l’intrigue m’ont immédiatement attiré. C’est l’un de ces rares films qui gagne progressivement le public grâce à son ambiance méticuleusement élaborée, l’entraînant dans un jeu sombre, macabre et fantastique qui brouille les frontières entre la réalité et la fiction.

Résumé de l’intrigue

Après la mort tragique de sa sœur jumelle, une médium aveugle reste en contact avec le mari veuf de sa sœur, qui a depuis trouvé une nouvelle compagne. Ses visites répétées au couple dévoilent des vérités troublantes et cachées, révélant bien plus que ce que l’on pourrait croire.

À propos du film

« Oddity » excelle dans sa capacité à perturber et à déstabiliser, incitant le public à s’interroger sur les frontières entre la réalité, la fiction et les domaines des vivants et des morts. Le film se rythme magistralement comme une mélodie bien réglée, alternant des moments qui font froid dans le dos et des séquences plus calmes, pleines de tension, qui plongent dans la psyché de ses personnages borderline. La tension croissante tient le spectateur en haleine.

Les performances du trio principal sont louables, mais la véritable force du film réside dans son réalisateur. Ce dernier a su créer une expérience d’horreur atmosphérique, presque psychologique, qui laisse parfois le spectateur perdu dans le labyrinthe de son récit paranormal. La force du film réside dans sa réalisation bien équilibrée – du scénario à la mise en scène, en passant par le jeu des acteurs et la cinématographie. C’est l’exemple même du film d’horreur qui n’a pas besoin d’un gros budget pour être élégant et sophistiqué. Chaque image est méticuleusement travaillée et le résultat est une œuvre cinématographique soignée et convaincante.

« Oddity » est un témoignage de l’horreur classique, jouant avec des éléments universellement reconnus tels que le motif de la sœur jumelle, la légende du Golem, le monde des esprits et l’imagerie fantomatique.

Notre avis

Êtes-vous un passionné d’horreur ? Si c’est le cas, ce film est à voir absolument. Il s’impose comme l’un des meilleurs films d’horreur sortis cette année.

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Theresa Rex lance un nouveau single irrésistiblement accrocheur, « Ugly Cry »

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La sensation pop danoise multi-platine Theresa Rex est de retour et s’épanche dans son dernier single, « Ugly Cry », qu’elle décrit avec justesse comme un « hymne de fille en désordre ». La chanson, dont la sortie est prévue pour le 23 août, capture des émotions brutes comme elle seule sait le faire.

Theresa Rex a toujours été une artiste qui se connecte profondément à son public, parlant le langage de millions de personnes. En tant qu’auteur-compositeur, elle allie l’excentricité et l’amusement à une véritable profondeur émotionnelle, délivrant constamment ses messages à travers des morceaux scandipop captivants. Ugly Cry » ne fait pas exception à son style unique.

En réfléchissant à l’inspiration derrière ce titre, Theresa Rex partage : « Je pense que la plupart d’entre nous connaissent ce sentiment d’être ivre et d’atteindre ce point de non-retour, où le couvercle bascule et les vannes s’ouvrent, et où l’on devient un idiot qui partage trop, qui est trop émotif, qui pleure trop, assis sur le sol des toilettes du bar en demandant à ses amis de lui tenir les cheveux, n’est-ce pas ? Si c’est le cas, voici peut-être l’hymne de la fille désordonnée qu’il vous faut. Parfois, tout ce dont vous avez besoin, c’est de pleurer jusqu’à ce que tout l’endroit soit coincé sous l’eau ».

Mené par une guitare acoustique, « Ugly Cry » est une production simple mais entraînante qui captive par sa progression d’accords intelligente et sa mélodie contagieuse. Le titre prend vie avec l’aide du talentueux producteur-prodige Jacob Buchardt, ce qui lui permet de laisser une impression durable.

Même si son nom ne vous dit rien, vous avez sans doute déjà entendu sa voix si particulière. Theresa Rex a enregistré plus d’un milliard de streams grâce à sa voix sur des tubes mondiaux tels que « Solo Dance » de Martin Jensen et « What I Like About You », le single multi-platine de Jonas Blue. En tant qu’auteur-compositeur, elle a collaboré avec des stars internationales telles que Cheat Codes, Dimitri Vegas & Like Mike, James Carter, Timmy Trumpet et Alle Farben. L’année dernière, elle s’est notamment hissée à la première place des US Dance Charts avec AFROJACK sur leur chanson « Let Me Go ».

Avec  » Ugly Cry « , Theresa Rex continue de consolider sa place en tant que voix de sa génération, offrant des hymnes qui résonnent profondément et restent dans votre esprit longtemps après que la dernière note se soit éteinte.

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« Tòkunbò » Film sur Netflix : Un aperçu captivant de la réalité nigériane

« Tòkunbò » est un film nigérian réalisé par Ramsey Nouah avec Gideon Okeke, Chidi Mokeme et Funlola Aofiyebi.

« Tòkunbò » est un thriller nigérian captivant qui met en lumière les dures réalités auxquelles le Nigeria est confronté et les graves difficultés économiques qui affectent sa population. Malgré ses accents dramatiques et tragiques, ce film est un thriller captivant, doté d’un rythme dynamique et de personnages bien développés qui, plongés dans des circonstances désastreuses, luttent pour leur survie.

Aperçu de l’intrigue

Le récit est centré sur Tòkunbò̩, une figure de la pègre et un chauffeur, qui est forcé de se mettre dans une situation périlleuse pour sauver la vie de son fils. Sa mission ? Transporter une jeune fille kidnappée. Mais il ne s’agit pas d’une fille ordinaire : c’est la fille d’un homme politique de premier plan qui a l’intention de réformer le paysage économique du pays. Ce qui s’ensuit est un thriller au rythme effréné.

Analyse du film

Ce film est plus qu’un simple thriller ; c’est une plateforme puissante qui met en lumière de véritables questions politiques. L’industrie cinématographique nigériane, souvent connue pour sa critique de la politique, de la corruption et des conditions socio-économiques, perpétue cette tradition. Pourtant, si l’on se concentre uniquement sur les aspects cinématographiques, « Tòkunbò » se distingue comme un thriller débordant d’énergie, à la cinématographie acérée et, surtout, au montage et à la conception sonore exceptionnels. Il s’agit d’une pure poussée d’adrénaline, mais qui n’est pas dénuée de substance. Le film plante méticuleusement le décor, explore les nuances de la situation et amène finalement les deux personnages centraux à une confrontation décisive, révélant qu’ils sont tous deux pris au piège de la même dure réalité.

Le catalyseur de l’enlèvement est l’intention du président de la Banque nationale du Nigeria de réglementer le marché des crypto-monnaies, une décision qui menace les intérêts d’une poignée de puissants et qui entraîne des actions drastiques. Les performances sont excellentes, en particulier celle de Gideon Okeke dans le rôle principal, qui incarne un père désespéré luttant pour sauver son fils. L’actrice Funlola livre une performance convaincante, incarnant une mère tout aussi désespérée pour protéger sa fille.

Ce film ne se contente pas de faire vibrer la corde sensible, il met également en valeur une réalisation superbe, un montage remarquable et un scénario qui navigue dans son récit avec précision et détermination.

Notre point de vue

Sur fond de corruption omniprésente, « Tòkunbò » s’impose comme un thriller d’action bien ficelé. Les personnages sont bien définis, chacun étant animé par des motivations claires qui justifient leurs actions dans un réseau de corruption, de politique et d’économie. Ce film dirigé de main de maître culmine dans un récit palpitant qui est aussi engageant intellectuellement que rempli d’action.

Où regarder « Tòkunbò »

Netflix

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« Les Nouveaux » sur Netflix : Les adolescents du secondaire et leur sexualité débridée

« Les Nouveaux » est un film écrit et réalisé par Dave Chernin et John Chernin. Il met en scène Mason Thames, Ramon Reed, Raphael Alejandro et Isabella Ferreira.

Si nous devions examiner le paysage cinématographique du siècle dernier, en mettant de côté toute considération de qualité et en nous concentrant uniquement sur le volume de films produits, les « comédies pour adolescents » domineraient incontestablement. Ces films sont incontournables pour plusieurs raisons : ils sont peu coûteux à produire, ils rencontrent régulièrement un bon succès auprès du public et ils génèrent de solides retours sur investissement. En outre, ils n’exigent pas beaucoup de risques artistiques. Les cinéastes peuvent les produire les uns après les autres sans grande variation, car l’attention fugace du public garantit qu’aucun film ne se démarque suffisamment pour qu’on s’en souvienne distinctement.

Le film « Les Nouveaux » entre parfaitement dans cette catégorie : il s’agit d’un film comme les autres, qui met en scène des adolescents traversant leur tumultueuse première année de lycée. Avec des hormones qui font rage, un désir ardent de se rapprocher du sexe opposé et un environnement social qui les considère souvent comme immatures, le récit est prévisible et familier.

Compte tenu de cette configuration, vous savez déjà à quoi vous attendre. Il n’y a rien à redire sur l’attrait de ces films ; ils ont diverti des générations et continueront probablement à le faire pour les générations futures, que l’IA se mette ou non à les produire.

Résumé de l’intrigue

L’histoire est centrée sur quatre amies qui entament leur première année de lycée, pleines d’insécurités et, comme on peut s’y attendre, de beaucoup d’hormones.

À propos du film

Il s’agit d’une comédie directe qui adhère à une formule éprouvée qui a fait ses preuves depuis des décennies. Pourquoi changer une formule gagnante ? Dans le cadre de « quatre amis avides d’expériences sexuelles au cours de leur première année de lycée », il existe de légères variations. Un film peut être plus ou moins audacieux, plus ou moins humoristique, plus ou moins scandaleux. Ce film en particulier n’est audacieux que dans la mesure où la formule le permet. Il n’est pas trop extravagant en termes d’humour et reste fidèle à ce que l’on attend de lui : une comédie qui ne se distingue pas des autres et qui prend juste assez de risques pour rester dans sa zone de confort.

Bien que le film soit amusant parce qu’il est conçu pour l’être, il est tellement imprégné de clichés que la prévisibilité le rend ennuyeux. Il ne se distingue pas par son montage dynamique ou son flair esthétique.

Notre avis

C’est un teen movie comme les autres. Nous avons vu d’innombrables itérations au cours des décennies, et il semble que cette tendance se poursuivra à l’avenir. Ces films ne marqueront peut-être pas l’histoire du cinéma par leur qualité, mais les chiffres ne mentent pas : la formule est très rentable et indéniablement divertissante pour une certaine tranche d’âge.

Si « Les Nouveaux » n’apporte rien de nouveau, il s’inscrit confortablement dans une longue tradition de comédies pour adolescents qui ne semble pas près de disparaître.

Où regarder « Les Nouveaux »

Netflix

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