アート

ニューヨーク、ニューヨーク - ベリー・キャンベルギャラリーは、ドロシー・デヘナー（1901-1994）の絵画、素描、彫刻の回顧展を開催します。「ドロシー・デヘナー：回顧展」は、1930年代から始まり、1980年代および1990年代の大規模なモニュメンタル彫刻に至るまで、デヘナーの70年にわたる芸術的キャリアを織り交ぜて紹介します。これは、1995年にオハイオ州クリーブランド美術館で行われた回顧展以来、この規模と深さを持つ初の展示となります。 展示は、1936年の初期の静物画から始まり、1940年代および1950年代の「ウェット・オン・ウェット」技法を用いた象徴的なインクと水彩の抽象素描シリーズを続けて展示します。ドロシー・デヘナーは著名な彫刻家デヴィッド・スミスと結婚していましたが、1950年に離婚しました。結婚中、彼女は一人の彫刻家だけがいるべきだと感じていたため、1952年になってようやく成功と自由を得て、新しいメディアに挑戦する自信を得ました。この展示では、1950年代および1960年代に主に失われたワックスプロセスを用いて作成された初期の彫刻のいくつかを特徴としています。 1970年代のアッサンブラージュシリーズ「I Ching」と呼ばれる彼女のほとんど知られていない作品に専念したギャラリーもあります。ルイーズ・ネヴェルソンはデヘナーをジョン・ケージに紹介し、その音と理論がこの作品群に影響を与えました。「無題（I Ching）」はトーテミックな雰囲気を持ち、薄い木片をリズミカルに配置して作られています。キャリアの終わりに向かって、デヘナーは大規模な彫刻を作成するという夢を実現するためにファブリケーターと協力し始めました。展示の中心となるのは、1989年に制作された最大の作品の一つである「プレリュードとフーガ」で、高さ8フィート、幅8フィートを超える黒塗りのスチール製です。「デメテルのハロー（1990）」は、コルテン鋼で作られた幾何学的な形状を接続することによって作られた大規模な遊び心のある彫刻です。 ドロシー・デヘナーファウンデーションの会長であるジョアン・M・マルター博士は、その研究と執筆を通じて、デヘナーを他の抽象表現主義者の文脈に置き、多くの最近の賞賛を得ています。2023年には、「ウーマンズ・アート・ジャーナル」の特集記事「ドロシー・デヘナーと抽象表現主義者の中の女性彫刻家たち」が掲載され、デヘナーとルイーズ・ネヴェルソンの親しい友情について論じられました。デヘナーは、ニューヨーク近代美術館での「メイキングスペース：女性アーティストと戦後の抽象」（2017）を含む多数のグループ展示に参加しており、彼女のトーテミックな彫刻「エンカウンター」は現在、ニューヨーク近代美術館で展示されています。 デヘナーは、ネヴェルソン、ルイーズ・ブルジョワ、ハーバート・フェバー、イブラーム・ラッソー、デヴィッド・ヘア、そしてデヴィッド・スミスと並ぶ抽象表現主義の彫刻家の中に位置づけられています。彼女の作品は、ニューヨーク近代美術館、ホイットニー美術館、メトロポリタン美術館、国立女性芸術博物館、ストームキングアートセンター、大英博物館、ドレスデン美術館など、多くのコレクションに収蔵されています。ベリー・キャンベルはドロシー・デヘナーファウンデーションを代表しています。 「ドロシー・デヘナー：回顧展」は、2024年5月23日から6月22日までベリー・キャンベルで開催され、開幕レセプションは2024年5月30日木曜日の午後6時から8時まで行われます。展示には、ジョアン・M・マルター博士の序文とソフィー・ラコウスキーによる全長のエッセイが掲載された64ページの完全にイラスト付きのカタログが付随しています。ギャラリーは、6月1日土曜日の午後3時にマルター博士によって主導されるパネルディスカッションを開催します。 ギャラリーについて クリスティーン・ベリーとマーサ・キャンベルは、10年前にニューヨークのチェルシーでベリー・キャンベルギャラリーを開業しました。ギャラリーは、特に抽象表現主義の女性たちを中心に、過小評価されたまたは無視された戦後アメリカの絵画のアーティストを代表する微調整されたプログラムを持っています。設立以来、ギャラリーは年齢、人種、性別、または地理によって見落とされてきたアーティストを明らかにするための研究に強い重点を置いてきました。このユニークな視点は、キュレーター、コレクター、報道機関からますます認識されています。 2022年、ベリー・キャンベルはチェルシーの最も権威あるブロックの一つである524 W 26th Streetに移転しました。この9,000平方フィートのスペースは、以前パウラ・クーパーギャラリーやロバート・ミラーギャラリーなどのアート界のアイコンが使用していた場所です。 この展示は、ドロシー・デヘナーの多面的な芸術的才能を包括的に紹介するものであり、彼女の作品が今なお多くの人々に感銘を与え続けていることを示しています。ぜひ足を運び、彼女の卓越した作品に触れてみてください。

ニューヨーク、ハウザー＆ワースの22番街ギャラリーで2024年7月26日まで開催される「Daydream Nation」展では、メアリー・ハイルマンの長年にわたる関心事である、記憶の軌跡を描写する形式としてのドローイングが探求されています。この展示は、ニューヨークのスクール・オブ・ビジュアル・アーツで彼女の友人であり、かつての学生であり同僚だったアーティスト、ゲイリー・シモンズによってキュレーションされました。複雑なイメージやアイデアを単純な幾何学的形態や抽象的なジェスチャー的マークに見事に凝縮する彼女の才能を称え、1970年代から2000年代初頭にかけての、めったに見られない、またはこれまで未公開だった紙上作品を通じて、どのようにドローイングがハイルマンの創造過程での夢想—過去の旅行の光景、音、出来事や彼女が想像する未来を呼び起こす形式—として機能するかが明らかにされます。 「私は人生の多くの章をメアリーと共に過ごしてきました」とシモンズは言います。「これらの作品を選び、彼女と協力することで、彼女の実践について思っていた以上のことを学びました。彼女のドローイングや絵画には、夢の風景、砂漠を旅し、海岸から海岸へと旅する彼女のモザイクがあります。」 ハイルマンは、異なる作品を遊び心を持って組み合わせるインスタレーションで知られています。「Daydream Nation」は、大規模な絵画のための水彩研究から、それ自体として機能する紙上の絵画に至るまで、紙上の作品を展示し、彼女の陶器の彫刻や彫刻的な椅子の選択とともに、環境的に気まぐれながらも概念的に厳格な環境を創出しています。ハイルマンはしばしばシリーズ作品を制作し、時間をかけて特定の形や色の配置を再訪し、再想像します。ここでの椅子、バラのつぼみ、螺旋、波、ウェブといった反復するモチーフで証明されています。しかし、ハイルマンの作品集において、繰り返しは違いを生み出し、この多様性から記憶の機能とそれを翻訳する私たちの過程についての重要な真実が浮かび上がります。 ドローイングは常にハイルマンの実践において重要な要素であり、「Daydream Nation」ではさまざまな形で現れています。この展覧会では、既存の作品を再想像し、新しい表現形式へと拡張する新しい壁画のようなインスタレーションが特徴です。これは、シモンズが自身の作品でこの媒体の壮大なスケールを頻繁に探求することと対話しながら開発された、ハイルマンにとって今回が7回目の壁画です。 この展覧会のタイトルは、ソニック・ユースの画期的なアルバム「Daydream Nation」（1988年）から取られています。これは、ハイルマンの創造的な運動としての夢想に対する長年の関心と、この過程での旅行の重要性を呼び起こすとともに、1968年以来彼女が採用した故郷であるニューヨーク市の若者の反逆の文化の中に彼女の作品集を位置づけ、個人的にも専門的にも常に彼女にエネルギーとインスピレーションを与えてきたカリフォルニア生まれのアーティストのためのものです。 アーティストについて 1960年代のカウンターカルチャー、フリースピーチ運動、そして彼女の故郷カリフォルニアのサーフ文化の影響を受けたメアリー・ハイルマンは、彼女の世代で最も影響力のある抽象画家の一人とされています。ミニマリズムの分析的なジオメトリーとビート・ジェネレーションの自発的な精神を重ね合わせたハイルマンの実践は、常にそのしばしば異端であり—常に喜びに満ちた—色と形に対するアプローチで識別可能です。 サンフランシスコとロサンゼルスで育ったハイルマンは、文学の学位を取得した後、バークレーで陶芸を学びました。1968年にニューヨークに移住してから彼女は絵を描き始めました。当時のほとんどのアーティストが作品自体の物質的な存在以外の経験を避けるべきだと主張する非物質化の概念を実験している中、ハイルマンは絵画を選び、受け入れられた規則に反逆しました。「現代の、非具象的な形式主義の命令に従うのではなく、創造過程で取られる本質的な決定がますます内容に関連していることを理解し始めました。モダンな動きは終わりました…」 それ以来、ハイルマンはさまざまな連想を喚起する作品を創造してきました。彼女の作品は非具象的であり、基本的な幾何学的な語彙—円、四角、グリッド、ストライプ—に基づいているかもしれませんが、常にそれらには何か少し変わったものがあります。形態のシンプルさは、欺瞞的な非慎重さによって弱められます：輪郭は明確に定義されていません。一部の絵画では、液体のように互いに溶け合うようなアモルファスな形が現れます。色のしぶきが認識でき、鋭いエッジが明らかな理由もなく流れ出し、ブラシの筆跡が常に感じられます。ハイルマンのカジュアルな絵画技術は、しばしば複雑な構造を隠し、それが視聴者に徐々に明らかにされます。 アーティストの1967-1971年の天体作品も、現在ダイア・ビーコンで長期展示「メアリー・ハイルマン。Starry Night。」で見ることができます。

ロンドンのMaureen Paleyは、2022年のHepworth Wakefieldでの回顧展「In Real Life」に続き、ハンナ・スターキーの8回目となる個展を開催しています。彼女の作品は現在、Hayward Gallery Touringの展覧会「Acts of Creation: On Art and Motherhood」と「After the End of History: British Working Class Photography 1989 – 2024」、そしてV&Aロンドンとの共同主催によるSouth...

テート・ブリテンが紹介する「Now You See Us: Women Artists in Britain 1520-1920」は、女性がプロフェッショナルなアーティストとして認められる道を切り開いた400年の歴史を通して、イギリスのアートワールドにおける女性の地位を確立した画期的なグループ展です。この展示会は、社会の期待に反してプロのアーティストとして活動していた時期をカバーしています。 100人以上のアーティストを特集したこの展示会では、アルテミジア・ジェンティレスキ、アンジェリカ・カウフマン、ジュリア・マーガレット・キャメロン、グウェン・ジョンなど、よく知られている名前と、現在再発見されつつある多くのアーティストが称賛されています。彼らのキャリアは、彼らが生み出した作品の多様性と同様に様々で、女性に適したとされる水彩風景や家庭内シーンなどのジャンルで成功を収めたアーティストもいれば、男性が支配する戦闘シーンやヌードを取り上げたり、専門機関への同等のアクセスやメンバーシップのために闘争したアーティストもいます。テート・ブリテンの展示は、油絵、水彩画、パステル画、彫刻、写真、そして「針による絵画」を含む200点以上の作品を通じて、これらの先駆者たちの物語を紹介します。 「Now You See Us」は、テューダー朝の宮廷で活躍し、40年ぶりに初めてまとめて展示されるレビーナ・ティアリンクや、イギリスで最も早く自画像を残した女性アーティストとされるエスター・イングリスから始まります。17世紀に焦点を当て、チャールズ1世の宮廷でロンドンで主要な作品を制作したアート史上最も称賛されている女性アーティストの一人、アルテミジア・ジェンティレスキを含め、この時代の女性たち、例えばメアリー・ビール、ジョアン・カーライル、マリア・ヴェレストなど、油絵の肖像画家として新たな地平を切り開いた。 18世紀には、キャサリン・リードやメアリー・ブラック、彫刻家のアン・シーモア・ダマー、そして現在ではあまり知られていないがその時代の主要人物だったマーガレット・サラ・カーペンターなど、イギリス初の公共美術展に女性アーティストが参加しました。この展示は、アンジェリカ・カウフマンやメアリー・モザーを含め、王立アカデミー・オブ・アーツの創設会員に含まれた唯一の女性に焦点を当て、別の女性がメンバーシップを授与されるまでに160年を要したことも見ています。この時代の女性アーティストは、水彩画や花画などの「女性らしい」趣味としてよく一蹴されますが、多くの人がこれらのジャンルでプロとして活動していました：主要な観光アトラクションだったメアリー・リンウッドのギャラリー、生まれつき腕がなく口で絵を描いたサラ・ビフィンのミニアチュア、そして園芸協会で働いた植物イラストレーターのオーガスタ・ウィザースを特集しています。 ビクトリア朝では、公衆展示会場が大幅に拡大しました。「Now You See Us」は、この時代の批評家から高く評価されたアーティストたちによる主要作品を披露しており、ジョン・ラスキンが自身の発言「女性は絵を描けない」と撤回するきっかけとなったエリザベス・バトラー（旧姓トンプソン）の 「The Roll Call 1874」や、ヘンリエッタ・レイとアニー・スウィンバーンによるヌード画などが含まれます。この展示はまた、初めて公開されるフローレンス・クラクストンの風刺画 「Woman’s Work’: A Medley 1861」や、王立アカデミー・スクールへの女性の入学を求めるキャンペーンで知られるバーバラ・レイ・スミス・ボディチョンなど、アクティビズムとのつながりを見ています。美術学校に最終的に入学した学生の作品や、人物モデルクラスへの平等なアクセスを求める請願書も展示されています。 展示は、女性参政権運動や第一次世界大戦の初期の20世紀で終わります。グウェン・ジョン、ヴァネッサ・ベル、ヘレン・サンダースなどの女性アーティストは、近代主義、抽象主義、ヴォーティシズムの出現に重要な役割を果たしましたが、アンナ・エアリーのような他のアーティストは、伝統的な慣習で引き続き優れた作品を創出しました。展示会の最後のアーティストであるローラ・ナイトとエセル・ウォーカーは、野心的で独立した自信に満ちたプロフェッショナルとして重要な例を示し、ついには王立アカデミーのメンバーシップを獲得し、批評家からの称賛を得ました。

ヴェネチア、Museo Correrの倉庫の奥深くに眠っていた15世紀後半の重要な絵画が発見され、長い間に及ぶ複雑な修復作業の末、公にその姿を現しました。このプロジェクトはG.E. Ghirardi Onlus財団により支援され、新たな研究や学術的な比較の可能性と共に、一般の人々の鑑賞に耐えうる状態にまで回復しました。 この度、初めて公開されるこの作品は、「聖母子と聖ジョバンニーノおよび六人の聖女たち」と題されており、アンドレア・マンテーニャの出身地であるピアッツォーラ・スル・ブレンタにあるヴィラ・コンタリーニ - G. E. Ghirardi財団にて展示されます。 この謎に満ちた作品は、イタリア・ルネサンス期の偉大な宮廷の精神が漂い、何よりも著名なパドヴァの画家の明確な「足跡」が感じられます。 発見された絵画は、年月を経て痛み、後世の手による再塗装が施されたことでその価値を正確に判断することが難しい状態でした。それにもかかわらず、美術館のキュレーターはその薄暗く覆われた表面から、非常に高い品質の芸術性と構成を見出しました。 興味深い点として、現在ボストンにあるイザベラ・スチュワート・ガードナー美術館に所蔵している、アンドレア・マンテーニャによると長年考えられてきた作品と、ほぼ同じ「女性だけの」聖なる場面が描かれています。このヴェネチアの絵画に対して行われた放射線学的および反射法的な調査により、下にあるデッサンがボストンの絵画とほぼ完全に一致する軌跡を描いていることが「技術的に」明らかになりました。 したがって、これらの作品が同じ原画から作成されたこと、そして同じアトリエ、間違いなくアンドレア・マンテーニャのマントヴァの工房で製作されたのではないかと見られています。 このヴェネチアの絵画がなぜ放棄されたのか、そしてなぜ元のゴンザーガ家のような著名なコレクションへと続く旅を経てヴェネチアに至ったのか、その全てが展示会「アンドレア・マンテーニャの足跡」を通じて明らかにされます。この展示は、ヴェネチア市立美術館財団とG.E. Ghirardi財団の協力のもと、ヴェネツィア市とヴェネツィアおよびラグナの考古学・美術・風景の監督からの支援を受けて開催されます。この機会を通じ、観客はこの魅力的で謎めいた絵画を目の当たりにし、その特別な性質に対する最初の答えを探求することができます。

ニューヨーク、NY | 2024年5月6日 - アーティストのパルム・マリンは、絵画、髪の毛、木材、テキスタイルを使用して、伝統的な美術、女性性、そして身体に対する概念に挑戦する新作群である「In The Name of The Mother」のデビュー個展を披露することを発表しました。この展示会では、絵画と彫刻を組み合わせた11点の混合メディア作品が展示され、2024年5月7日から19日までChinatown Soup Galleryで観覧できます。 「この展覧会は、私の母性を通じた個人的な旅の象徴です」とマリンは言います。「私は、目を引く材料の対比を生み出し、芸術的な視点を通じて自分の物語を共有するために、しばしば予期せぬ素材を使います。『In The Name of The Mother』は、幼少期から今日に至るまで、私が長年にわたって集めてきた様々なインスピレーションの集大成です。このシリーズの目的は、社会的圧力や本能によって "母親の役割" に閉じ込められたと感じている母親たちや、バランスを見つけることへの闘いについて、会話と思慮深い分析を促すことです。」 パルム・マリンの多面的な作品は物質性と物理的な世界に根ざしており、身体、自律性、女性性、相続という触れることのできない概念と触感の概念を探求する手段です。彼女の内省的な作品は、厳格な育成、押し付けられた観点、選択された人生の解明に基づいています。女性、アーティスト、母親としての自身の進化するアイデンティティを通じて、マリンは子育ての戦術的な年齢において「自己」にしばしば社会的に課される制限を明るみに出します。バスルームを個別の家庭空間として位置づけることで、マリンの自画像はユーモラスでありながら批判的であり、彼女の足を人生におけるバランスを保つ象徴的な方法として、かつ密室の中での自己顧みとして焦点を当てています。彼女はフレーミングを作品の完全に統合された部分として取り入れ、全てを一緒に保持する枠組みとしての象徴として利用しています。 彼女の混合メディア作品は、18世紀フランスの式典装飾を参照した人物像と歴史的肖像画のハイブリッドを通じて、さらに自己と女性の身体との格闘を描きます。マリンはテキスタイル、レザー、木材、ビーズ、レースなど、伝統的な家庭用素材を使用し、ロココ様式を解体します。これらの作品は、引っ張られたり、摘まれたり、引き締められたり、詰められたりする母性の物理性を伝えます。 彼女が作品に適用する研究は、欠陥の受け入れと女性性及び母性へのより自由な道の認識に基づいており、人類学的な視点から身体を分析しています。彼女は創造を心理的な解放の手段として利用し、ルイ14世時代からアールデコに至るまでのフランス装飾芸術からインスピレーションを引き出しています。彼女の参照は遊び心がありながらも博識であり、レザー、ラテックス、ロープの使用によって柔らかさと荒々しさ、二重性、制約、力と支配のアイデアを伝えます。

2024年5月1日 - 国際的な現代アートギャラリーであるダビッド・ツヴィルナーは、創業30周年を記念して、新たにロサンゼルスに新しい旗艦ギャラリーをオープンし、ギャラリーに所属する全アーティストの作品を展示する展示会を開催することを発表しました。2024年5月23日に一般公開されるこの展示会では、特別に制作された新作の絵画、彫刻、インスタレーションなどが、歴史的な作品とともに展示されます。 この展示会は「ダビッド・ツヴィルナー：30年」と題され、ギャラリー創業時からのアーティストであるルック・トゥイマンスやスタン・ダグラス、最近加わったエリザベス・ペイトン、マイケル・アーミテージ、エマ・マッキンタイアなどの新作も展示されます。 新しい旗艦ビルディングは、メルローズ・ヒルの606 North Western Avenueに位置し、セルドーフ・アーキテクツによって設計されました。この建物は隣接する612と616 North Western Avenueにあるダビッド・ツヴィルナーの既存スペースとも連携しており、これらのスペースは2023年5月に一般公開されています。新築された３階建てのギャラリーは、15,000平方フィート以上の展示スペースを有し、北側にハリウッドサインを望む屋外テラスと、ダビッド・ツヴィルナーのニューヨーク20th街ギャラリーの階段を彷彿とさせるコンクリート製の階段があります。Western Avenue沿いの3つのギャラリースペースはすべて白いファサードで統一されており、駐車場と屋根は豊かな緑を提供するように設計されています。 ダビッド・ツヴィルナー氏は、「ギャラリーの30周年を記念し、新しいロサンゼルスビルディングの完成を祝うため、ギャラリーを形成してきたアーティストたちを称える特別な展示会を開催します。幾多の展示会、書籍、スペース、プロジェクトを経て、これから来るすべてのことを楽しみにしています」と述べています。 過去30年間で、ダビッド・ツヴィルナーは多岐にわたるメディアやジャンルの革新的で特異な展示会を開催し、現代で最も影響力のあるアーティストのキャリアを育成し、幅広く国際的なアーティストグループを長期的に代表してきました。スタン・ダグラス、トバ・ケドーリ、レイモンド・ペティボン、ジェイソン・ローデス、ダイアナ・テーター、ルック・トゥイマンス、フランツ・ウェストなどのアーティストは、1993年にソーホーでギャラリーのドアが開かれて以来、ダビッド・ツヴィルナーと共に歩んできました。現在、ダビッド・ツヴィルナーは80人以上のアーティストとエステートを代表しています。これまでに、ダビッド・ツヴィルナーは世界中に12か所のロケーションを展開し、ニューヨークに6か所（トライベッカの52 Walkerを含む、エボニー・L・ヘインズが率いる）、ロンドン、パリ、香港に各1か所、そして今回ロサンゼルスに3か所目を開設しました。これらすべてのデザインは、セルドーフ・アーキテクツによって行われています。2023年の春には、ニューヨークの520 West 20th Streetに新しいオフィスと本社を開設し、来年はニューヨークの533 West 19th Streetに新しいビルディングを開設します。 ギャラリーのプログラムと展示会に加えて、ダビッド・ツヴィルナーは、2017年に商業ギャラリーとして初のオンライン・ビューイングルームとして立ち上げたDavid Zwirner Onlineや、2018年に初演され、現在8シーズン目に入っているポッドキャスト「Dialogues」を通じてコンテンツを制作しています。2021年には、ダビッド・ツヴィルナーのオリジナルのファインアートプリントの出版社であるUtopia Editionsがデビューし、現代アーティストと20枚以上のプリントを制作しています。 ダビッド・ツヴィルナー・ブックス、ギャラリーの独立した出版部門は、2014年に設立され、10周年を迎えています。モノグラフや歴史的調査、アーティストブック、集められた著作やインタビューなど、最高品質のアート出版物の作成に専念している出版部門は、年間25タイトル以上を制作しています。ダビッド・ツヴィルナー・ブックスは、ギャラリーの世界的に有名なアーティスト、エステート、展示プログラムを出発点とし、アーティスト主導またはアーティストに触発されたプロジェクトに焦点を当てています。このインプリントの奨学金へのコミットメントと、新しいアプローチでの執筆への取り組みは、賞賛されたエクフラシスシリーズや、小説家、詩人、ジャーナリストだけでなく、現代のアートライティングの主要な声によって発注されたテキストの採用で明らかです。ダビッド・ツヴィルナー・ブックスのタイトルは、Simon & SchusterとThames & Hudsonによって国際的な本屋に配布され、世界中の書店や美術館のショップ、ダビッド・ツヴィルナーのギャラリーロケーションで入手可能です。

2024年4月25日から6月12日まで、ニューヨーク在住のアーティスト、N.ダッシュによる新作絵画の個展が、レヴィ・ゴルヴィ・ダヤンのロンドン・メイフェア地区に新しくオープンするギャラリーで開催されます。 この度、ロンドンの35ドーバー・ストリートに構える新しいロケーションで、N.ダッシュのギャラリー初の展示会が開幕します。彼の多層的なパネル絵画は、異なる素材間の共鳴の生態系を探求するもので、有機物質、既製品、そして身体的なプロセスから生じるイメージを結びつけることで知られる彼の実践は、タクタイルな表面を通して触感体験に重点を置き、触れることの微妙かつ大きな影響への注意を促します。 N.ダッシュの絵画は、土や水、ジュートやコットン、グラファイトや油、そして建築用断熱材や工場生産のダンボールといった、しばしば見過ごされがちな製品を含む、私たちの自然界と作られた世界の基本要素に着目しています。展示される作品では、これらの要素が再組み合わせられ、それらの間の構造的、テクスチャル、そしてエネルギッシュな相互作用と緊張が高まります。 この展示の核となるのは、アーティストが毎日行う小さな白いコットンの布片を指と親指の間でこすりつづけ、機械で織られた繊維がその格子状の構造を失い、異形の絡まりに分解されるという儀式です。ダッシュにとって、この布は、行動が刻印され、エネルギーが捉えられ、非物質的な力が蓄えられる記録装置として機能します。その結果として生まれた彫刻は、土や油で着色され、アーティストの身体の自発的な動きによって変化します。この彫刻のバリエーションを撮影し、土で準備されたパネルにシルクスクリーンで印刷することで、イメージは土の地形に応じて波打ちます。 また、色の平面がシルクスクリーンで印刷され、ハーフトーン印刷プロセスの結果として出現したロゼット模様の広がりを残します。 これらの作品の斜面エッジは、地下質を露にし、呼吸を可能にします。削り取られた境界線では、土、ジェッソ、ジュートの層が露出し、各パネルの準地質構造が可視化されます。この戦略は、地中から埋め込まれたり、掘り出されたりする紐の一連の作品で異なる形で現れ、後者は素材の質感が露出し、生々しくされる微細な空間の溝を作り出します。これらの絵画には、人間と非人間の相互作用と介入への参照と共に、生態学的な懸念が流れており、自然資源への触れることの影響を親密なスケールで検討し、合成材料が環境と統合し、形成し、包含する方法を問い直します。