特集

ニューヨーク、NY - ポール・テイラー・ダンス・カンパニーが2024年6月25日から6月30日にかけてジョイス劇場に戻り、「エクストリーム・テイラー」と題した2つのプログラムを披露します。この公演は、ポール・テイラーによる人間の状態に対する独自の観察を称え、1964年から1988年にかけて制作された7つのクラシック作品を特集します。プログラムに含まれる作品は以下のとおりです。『デュエット』（1964年）、『ポスト・メリディアン』（1965年）、『プライベート・ドメイン』（1969年）、『ビッグ・バーサ』（1970年）、『ルーン』（1975年）、『エアーズ』（1978年）、『ブランデンブルグ』（1988年）です。チケットは12ドルから82ドル（手数料込み）でオンラインで購入できます。 芸術監督のマイケル・ノヴァクは次のように述べています。「『エクストリーム・テイラー』では、観客にポール・テイラーのロマンティック、邪悪、喜び、官能的な表現を垣間見せます。ポールが美しさを祝うダンスを振り付けたとき、その結果は純粋さにおいて驚異的でした。そして、彼が社会の恐怖に直面したとき、その視覚的なインパクトは圧倒的で、観客は目をそらすことができませんでした。64年にわたる彼の振付キャリアの中で、常に観客を魅了し続けた彼の作品群を、今回のジョイス劇場での公演で一挙に楽しむことができるのは、非常に貴重な機会です。」 チケット情報とスケジュール チケットは12ドルから82ドル（手数料込み）です。公演スケジュールは以下の通りです： 6月25日（火）午後7時30分：『プライベート・ドメイン』『デュエット』『ビッグ・バーサ』『エアーズ』 6月26日（水）午後7時30分：『ルーン』『ポスト・メリディアン』『ブランデンブルグ』（公演後にカーテンチャットあり） 6月27日（木）午後8時：『プライベート・ドメイン』『デュエット』『ビッグ・バーサ』『エアーズ』 6月28日（金）午後8時：『プライベート・ドメイン』『デュエット』『ビッグ・バーサ』『エアーズ』 6月29日（土）午後2時：『ルーン』『ポスト・メリディアン』『ブランデンブルグ』 6月29日（土）午後8時：『プライベート・ドメイン』『デュエット』『ビッグ・バーサ』『エアーズ』 6月30日（日）午後2時：『ルーン』『ポスト・メリディアン』『ブランデンブルグ』 レパートリの説明 デュエット（1964年）：このロマンティックなデュエットは、シンプルさ、美しさ、純粋さ、優雅さが際立つテイラーの技法を象徴しています。 ポスト・メリディアン（1965年）：エヴリン・ロホフェ・デ・ボエックによる委嘱スコアとアレックス・カッツの鮮やかな衣装に影響を受けたこの純粋な動きの作品は、感情を排除し、形式に焦点を当てた前衛的で好奇心をそそる作品です。 プライベート・ドメイン（1969年）：エロティックで覗き見的なこの作品は、舞台前方にあるいくつかの黒いカーテンの背後で演じられ、観客それぞれに異なる視点を提供します。 ビッグ・バーサ（1970年）：アメリカのフェアグラウンドとその機械的なアミューズメントを呼び起こすこの作品は、善良なミッドウェスタンの家族が邪悪な音楽マシーンによって操作され、破壊される様子を描いています。 ルーン（1975年）：未知の儀式が展開されるこの作品は、神秘性、運動能力、そして心打つ美しさを引き出しています。 エアーズ（1978年）：リリカルで力強いこのダンスは、関係性とロマンスを探求しています。 ブランデンブルグ（1988年）：バッハのブランデンブルク協奏曲の喜びあふれる雰囲気を取り入れた優雅で技巧的なこの作品は、最高の振付の壮大さを表現しています。 リーダーシップファンディングと支援情報 主要な支援は、スティーブン・クロール・レイディによって提供されています。また、SHS財団、ジョディ＆ジョン・アーノルド、ハワード・ギルマン財団、シュバート財団、および匿名のドナーからも主要な支援が提供されています。さらに、S&Pグローバル、ファン・フォックス＆レスリー・R・サムエルズ財団、グラディス・クライブル・デルマス財団からも重要な支援が得られています。公共の支援は、ニューヨーク市文化局と市議会の連携、および知事室とニューヨーク州議会の支援を受けたニューヨーク州芸術評議会によって提供されています。ポール・テイラー・ダンス・カンパニーは、ハーラン・モース・ブレイクとメアリー・J・オズボーンの遺産に感謝の意を表します。 ポール・テイラー・ダンス・カンパニーは、1954年以来、モダンダンスの革新と変革を追求してきた最も象徴的でダイナミックなモダンダンス集団の一つです。多分野にわたるコラボレーション、情熱的な表現、そしてスリリングなスポーツ性を特徴とする同カンパニーは、世界中でその広範なレパートリーで知られています。創立者のカノンからの作品、新進気鋭の振付家による新作、および20世紀と21世紀の重要な歴史的ダンスを演じることで、同カンパニーはモダンダンスを可能な限り広い観客に共有することを目指しています。カンパニーは、国内外を問わず年間を通して公演やさまざまな教育プログラム、エンゲージメント活動を行っています。

パリ、2024年5月16日から7月13日まで、Galerie Lelong & Co.にて、著名なアーティスト、レオナルド・ドリューの新しい展覧会「Ubiquity」が開催されます。展示場所はパリの13 rue de Téhéran、75008です。 過去30年間にわたり、レオナルド・ドリューは、秩序と混沌の間の緊張感を利用した、内省的な抽象彫刻作品で知られるようになりました。その作品は同時に巨大でありながらも親密なスケールを持ち、北アメリカの産業の過去を彷彿とさせるポスト・ミニマリスト彫刻を思い起こさせます。ドリューは木材、ガラス、石膏、綿などの原材料を積層的に変化させ、生と死の周期性、そして時間による自然の浸食と再生という重なるテーマを表現します。 本展では、ドリューの新しいサイト・レスポンシブな「爆発」インスタレーションと、ガラスや塗装された石膏などを含む一連の「コア」作品が展示されます。新しい素材は、ドリューにとって可能性の再発見と拡張のキャンバスを提供し、同時に素材の再利用が新しいエネルギーと意味を与えます。ドリューは、Galerie Lelongの歴史的な18世紀の環境を反映させる形で、このサイト・レスポンシブな「爆発」を適応させました。ドリューは言います、「作品の適応性が作品の生命であり、彫刻とサイトの関係と再発見は私の挑戦です。」 最近のソロ展覧会では、ヨークシャー彫刻公園（2023年）やアモン・カーター美術館（2023-2024年）で彼の作品が紹介されました。彼の作品は国際的に展示されており、多くの公共コレクションに収蔵されています。例えば、ボルチモア美術館、ニューヨークのメトロポリタン美術館、ニューヨーク近代美術館、クリスタルブリッジズ美術館、ニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館、ロサンゼルスの現代美術館、ワシントンD.C.のハーシュホーン博物館と彫刻庭園、そしてロンドンのテートなどがあります。 レオナルド・ドリューは1961年、フロリダ州タラハシーに生まれ、コネチカット州ブリッジポートで育ちました。現在はニューヨーク州ブルックリンとテキサス州サンアントニオを拠点に活動しています。

ニューヨーク、ニューヨーク - ベリー・キャンベルギャラリーは、ドロシー・デヘナー（1901-1994）の絵画、素描、彫刻の回顧展を開催します。「ドロシー・デヘナー：回顧展」は、1930年代から始まり、1980年代および1990年代の大規模なモニュメンタル彫刻に至るまで、デヘナーの70年にわたる芸術的キャリアを織り交ぜて紹介します。これは、1995年にオハイオ州クリーブランド美術館で行われた回顧展以来、この規模と深さを持つ初の展示となります。 展示は、1936年の初期の静物画から始まり、1940年代および1950年代の「ウェット・オン・ウェット」技法を用いた象徴的なインクと水彩の抽象素描シリーズを続けて展示します。ドロシー・デヘナーは著名な彫刻家デヴィッド・スミスと結婚していましたが、1950年に離婚しました。結婚中、彼女は一人の彫刻家だけがいるべきだと感じていたため、1952年になってようやく成功と自由を得て、新しいメディアに挑戦する自信を得ました。この展示では、1950年代および1960年代に主に失われたワックスプロセスを用いて作成された初期の彫刻のいくつかを特徴としています。 1970年代のアッサンブラージュシリーズ「I Ching」と呼ばれる彼女のほとんど知られていない作品に専念したギャラリーもあります。ルイーズ・ネヴェルソンはデヘナーをジョン・ケージに紹介し、その音と理論がこの作品群に影響を与えました。「無題（I Ching）」はトーテミックな雰囲気を持ち、薄い木片をリズミカルに配置して作られています。キャリアの終わりに向かって、デヘナーは大規模な彫刻を作成するという夢を実現するためにファブリケーターと協力し始めました。展示の中心となるのは、1989年に制作された最大の作品の一つである「プレリュードとフーガ」で、高さ8フィート、幅8フィートを超える黒塗りのスチール製です。「デメテルのハロー（1990）」は、コルテン鋼で作られた幾何学的な形状を接続することによって作られた大規模な遊び心のある彫刻です。 ドロシー・デヘナーファウンデーションの会長であるジョアン・M・マルター博士は、その研究と執筆を通じて、デヘナーを他の抽象表現主義者の文脈に置き、多くの最近の賞賛を得ています。2023年には、「ウーマンズ・アート・ジャーナル」の特集記事「ドロシー・デヘナーと抽象表現主義者の中の女性彫刻家たち」が掲載され、デヘナーとルイーズ・ネヴェルソンの親しい友情について論じられました。デヘナーは、ニューヨーク近代美術館での「メイキングスペース：女性アーティストと戦後の抽象」（2017）を含む多数のグループ展示に参加しており、彼女のトーテミックな彫刻「エンカウンター」は現在、ニューヨーク近代美術館で展示されています。 デヘナーは、ネヴェルソン、ルイーズ・ブルジョワ、ハーバート・フェバー、イブラーム・ラッソー、デヴィッド・ヘア、そしてデヴィッド・スミスと並ぶ抽象表現主義の彫刻家の中に位置づけられています。彼女の作品は、ニューヨーク近代美術館、ホイットニー美術館、メトロポリタン美術館、国立女性芸術博物館、ストームキングアートセンター、大英博物館、ドレスデン美術館など、多くのコレクションに収蔵されています。ベリー・キャンベルはドロシー・デヘナーファウンデーションを代表しています。 「ドロシー・デヘナー：回顧展」は、2024年5月23日から6月22日までベリー・キャンベルで開催され、開幕レセプションは2024年5月30日木曜日の午後6時から8時まで行われます。展示には、ジョアン・M・マルター博士の序文とソフィー・ラコウスキーによる全長のエッセイが掲載された64ページの完全にイラスト付きのカタログが付随しています。ギャラリーは、6月1日土曜日の午後3時にマルター博士によって主導されるパネルディスカッションを開催します。 ギャラリーについて クリスティーン・ベリーとマーサ・キャンベルは、10年前にニューヨークのチェルシーでベリー・キャンベルギャラリーを開業しました。ギャラリーは、特に抽象表現主義の女性たちを中心に、過小評価されたまたは無視された戦後アメリカの絵画のアーティストを代表する微調整されたプログラムを持っています。設立以来、ギャラリーは年齢、人種、性別、または地理によって見落とされてきたアーティストを明らかにするための研究に強い重点を置いてきました。このユニークな視点は、キュレーター、コレクター、報道機関からますます認識されています。 2022年、ベリー・キャンベルはチェルシーの最も権威あるブロックの一つである524 W 26th Streetに移転しました。この9,000平方フィートのスペースは、以前パウラ・クーパーギャラリーやロバート・ミラーギャラリーなどのアート界のアイコンが使用していた場所です。 この展示は、ドロシー・デヘナーの多面的な芸術的才能を包括的に紹介するものであり、彼女の作品が今なお多くの人々に感銘を与え続けていることを示しています。ぜひ足を運び、彼女の卓越した作品に触れてみてください。

Netflixで配信開始：アイロニーとユーモア溢れる「The 8 Show」 本日からNetflixで視聴可能になる「The 8 Show」は、話題作「イカゲーム」に似た設定を持ちながらも、全く異なるアプローチで展開される非常に楽しいコメディシリーズです。アイロニーと時折のアブサードなユーモアを駆使したこの作品は、資本主義と社会階級をテーマに、多くの驚きを提供します。 あらすじ 「The 8 Show」の舞台は架空のゲーム会場。8人のプレイヤーが集まり、インフレーションと時間をテーマにしたゲームに挑みます。プレイヤーたちは時間かお金を消費し、賞金とゲーム時間がそれぞれの消費に応じて増減するという設定です。彼らは協力しながら、階ごとに変わるルールや賞品を発見し、社会的なルールも学んでいきます。このゲームは資本主義、インフレーション、社会構造、そして消費についての理解を深めるものとなっています。 作品の価値 「The 8 Show」は、ウィリアム・ゴールディングの文学クラシック『蝿の王』（1954年）の韓国版とも言える作品です。飽和インフレーションと過剰な価格の世界で生き抜くために、参加者たちは創意工夫を凝らさなければなりません。共に生活しながらも、すべてが階級社会の問題に帰結し、全てが金銭に関わるのです。このシリーズは、現代社会に対する辛辣な批判を隠さずに展開され、特に韓国の住宅価格の現状に対するメタファーとして機能しています。 コメディとスリラーの融合 「The 8 Show」は、コメディからスリラーへと変化する独特の筋書きを持っています。シリーズが進むにつれて、キャラクター間の緊張感が高まり、ゲームのルールやインシデントによってストーリーが暗転していきます。8つのエピソードが次々に驚きを提供し、最終的にはサイケデリックでシュールなトーンへと達します。 製作の魅力 「The 8 Show」は、複雑なセットや高予算のプロダクションではなく、脚本とストーリーライン、そして状況設定に重きを置いています。限られたシンプルな舞台設定でありながら、優れた映像美と視覚的な引き込み力を持つこの作品は、高予算ではないにもかかわらず、視覚的に満足のいく仕上がりとなっています。 総評 「The 8 Show」は、「イカゲーム」を思い起こさせる設定からスタートしながらも、全く異なる方向へ進み、視聴者を常に驚かせるシリーズです。予想外の展開とアイロニカルなユーモアが交錯し、最終的には予測不可能な結末へと導かれます。このシリーズは、最初の予想とは全く異なる形で楽しませてくれることでしょう。ぜひ、お楽しみください。 「The 8 Show ～極限のマネーショー～」の視聴場所 Netflix https://www.youtube.com/watch?v=zvowLTLYJN0

「モンスター/怪物」はNetflixに新登場したインドネシアからのテラー映画で、視覚的でクラシックな映画を好むファンを驚かせること間違いなしです。ラコ・プリジャント監督によるこの作品は、子供の誘拐を描いた悪夢のような物語の中で、映画旅行全体を提案しています。 この映画では、監督はダイアログに頼ることなく、全てを示すことを望んでおり、効果音、編集、サスペンスだけでなく、素晴らしいカメラワークが際立つ秀逸な映画を作り上げています。最初から明らかにされる一つの事実、それは「モンスター/怪物」において監督がスターであるということです。 ストーリー 帽子を被り、濃いヒゲをたくわえた奇妙な人物によって誘拐された二人の子供たち。少女は自らを解放することに成功します。 「モンスター/怪物」は、映画としての視覚的な側面と編集を対話よりも重視する映画愛好家のための作品です。特に視覚的な経験を求める方には、「モンスター/怪物」が非常におすすめです。特にこの映画は非常によく撮影されており、監督は自分の職能を非常によく理解しており、サスペンス、緊張感、そしてドラマチックな瞬間で観客の注目を引きます。 技術的な面で「モンスター/怪物」は優れており、サスペンスジャンルの中で注目に値する映画となっており、Netflixのおかげで国境を越えて広がっています。予想もしない映画がリリースされ、期待せずに見始めたものの、最終的にはその全ての面で驚かされる：撮影、編集、演技、そして何よりも、恐怖とサスペンスの雰囲気を作り出すことに成功しています。 ダイアログに頼らない映画を作ることは全てのリスクであり、「モンスター/怪物」では全てのチームが協力し、影響を与える作業をしています。 ダイアログがなくても、音の面で大きな役割を果たしており、追加の緊張を生み出しています。ドアの軋み、音楽、音の大きなコントラストなど、効果的な音の対比が特徴です。 私たちの意見 ダイアログのない映画が驚きを提供します。全ての功績は監督、ラコ・プリジャントにあり、純粋なサスペンス映画を、純粋に映画的な要素だけで成し遂げました。 「モンスター/怪物」の視聴場所 Netflix https://www.youtube.com/watch?v=MyqAQhVnYok

ニューヨーク、ハウザー＆ワースの22番街ギャラリーで2024年7月26日まで開催される「Daydream Nation」展では、メアリー・ハイルマンの長年にわたる関心事である、記憶の軌跡を描写する形式としてのドローイングが探求されています。この展示は、ニューヨークのスクール・オブ・ビジュアル・アーツで彼女の友人であり、かつての学生であり同僚だったアーティスト、ゲイリー・シモンズによってキュレーションされました。複雑なイメージやアイデアを単純な幾何学的形態や抽象的なジェスチャー的マークに見事に凝縮する彼女の才能を称え、1970年代から2000年代初頭にかけての、めったに見られない、またはこれまで未公開だった紙上作品を通じて、どのようにドローイングがハイルマンの創造過程での夢想—過去の旅行の光景、音、出来事や彼女が想像する未来を呼び起こす形式—として機能するかが明らかにされます。 「私は人生の多くの章をメアリーと共に過ごしてきました」とシモンズは言います。「これらの作品を選び、彼女と協力することで、彼女の実践について思っていた以上のことを学びました。彼女のドローイングや絵画には、夢の風景、砂漠を旅し、海岸から海岸へと旅する彼女のモザイクがあります。」 ハイルマンは、異なる作品を遊び心を持って組み合わせるインスタレーションで知られています。「Daydream Nation」は、大規模な絵画のための水彩研究から、それ自体として機能する紙上の絵画に至るまで、紙上の作品を展示し、彼女の陶器の彫刻や彫刻的な椅子の選択とともに、環境的に気まぐれながらも概念的に厳格な環境を創出しています。ハイルマンはしばしばシリーズ作品を制作し、時間をかけて特定の形や色の配置を再訪し、再想像します。ここでの椅子、バラのつぼみ、螺旋、波、ウェブといった反復するモチーフで証明されています。しかし、ハイルマンの作品集において、繰り返しは違いを生み出し、この多様性から記憶の機能とそれを翻訳する私たちの過程についての重要な真実が浮かび上がります。 ドローイングは常にハイルマンの実践において重要な要素であり、「Daydream Nation」ではさまざまな形で現れています。この展覧会では、既存の作品を再想像し、新しい表現形式へと拡張する新しい壁画のようなインスタレーションが特徴です。これは、シモンズが自身の作品でこの媒体の壮大なスケールを頻繁に探求することと対話しながら開発された、ハイルマンにとって今回が7回目の壁画です。 この展覧会のタイトルは、ソニック・ユースの画期的なアルバム「Daydream Nation」（1988年）から取られています。これは、ハイルマンの創造的な運動としての夢想に対する長年の関心と、この過程での旅行の重要性を呼び起こすとともに、1968年以来彼女が採用した故郷であるニューヨーク市の若者の反逆の文化の中に彼女の作品集を位置づけ、個人的にも専門的にも常に彼女にエネルギーとインスピレーションを与えてきたカリフォルニア生まれのアーティストのためのものです。 アーティストについて 1960年代のカウンターカルチャー、フリースピーチ運動、そして彼女の故郷カリフォルニアのサーフ文化の影響を受けたメアリー・ハイルマンは、彼女の世代で最も影響力のある抽象画家の一人とされています。ミニマリズムの分析的なジオメトリーとビート・ジェネレーションの自発的な精神を重ね合わせたハイルマンの実践は、常にそのしばしば異端であり—常に喜びに満ちた—色と形に対するアプローチで識別可能です。 サンフランシスコとロサンゼルスで育ったハイルマンは、文学の学位を取得した後、バークレーで陶芸を学びました。1968年にニューヨークに移住してから彼女は絵を描き始めました。当時のほとんどのアーティストが作品自体の物質的な存在以外の経験を避けるべきだと主張する非物質化の概念を実験している中、ハイルマンは絵画を選び、受け入れられた規則に反逆しました。「現代の、非具象的な形式主義の命令に従うのではなく、創造過程で取られる本質的な決定がますます内容に関連していることを理解し始めました。モダンな動きは終わりました…」 それ以来、ハイルマンはさまざまな連想を喚起する作品を創造してきました。彼女の作品は非具象的であり、基本的な幾何学的な語彙—円、四角、グリッド、ストライプ—に基づいているかもしれませんが、常にそれらには何か少し変わったものがあります。形態のシンプルさは、欺瞞的な非慎重さによって弱められます：輪郭は明確に定義されていません。一部の絵画では、液体のように互いに溶け合うようなアモルファスな形が現れます。色のしぶきが認識でき、鋭いエッジが明らかな理由もなく流れ出し、ブラシの筆跡が常に感じられます。ハイルマンのカジュアルな絵画技術は、しばしば複雑な構造を隠し、それが視聴者に徐々に明らかにされます。 アーティストの1967-1971年の天体作品も、現在ダイア・ビーコンで長期展示「メアリー・ハイルマン。Starry Night。」で見ることができます。

ロンドンのMaureen Paleyは、2022年のHepworth Wakefieldでの回顧展「In Real Life」に続き、ハンナ・スターキーの8回目となる個展を開催しています。彼女の作品は現在、Hayward Gallery Touringの展覧会「Acts of Creation: On Art and Motherhood」と「After the End of History: British Working Class Photography 1989 – 2024」、そしてV&Aロンドンとの共同主催によるSouth...

テート・ブリテンが紹介する「Now You See Us: Women Artists in Britain 1520-1920」は、女性がプロフェッショナルなアーティストとして認められる道を切り開いた400年の歴史を通して、イギリスのアートワールドにおける女性の地位を確立した画期的なグループ展です。この展示会は、社会の期待に反してプロのアーティストとして活動していた時期をカバーしています。 100人以上のアーティストを特集したこの展示会では、アルテミジア・ジェンティレスキ、アンジェリカ・カウフマン、ジュリア・マーガレット・キャメロン、グウェン・ジョンなど、よく知られている名前と、現在再発見されつつある多くのアーティストが称賛されています。彼らのキャリアは、彼らが生み出した作品の多様性と同様に様々で、女性に適したとされる水彩風景や家庭内シーンなどのジャンルで成功を収めたアーティストもいれば、男性が支配する戦闘シーンやヌードを取り上げたり、専門機関への同等のアクセスやメンバーシップのために闘争したアーティストもいます。テート・ブリテンの展示は、油絵、水彩画、パステル画、彫刻、写真、そして「針による絵画」を含む200点以上の作品を通じて、これらの先駆者たちの物語を紹介します。 「Now You See Us」は、テューダー朝の宮廷で活躍し、40年ぶりに初めてまとめて展示されるレビーナ・ティアリンクや、イギリスで最も早く自画像を残した女性アーティストとされるエスター・イングリスから始まります。17世紀に焦点を当て、チャールズ1世の宮廷でロンドンで主要な作品を制作したアート史上最も称賛されている女性アーティストの一人、アルテミジア・ジェンティレスキを含め、この時代の女性たち、例えばメアリー・ビール、ジョアン・カーライル、マリア・ヴェレストなど、油絵の肖像画家として新たな地平を切り開いた。 18世紀には、キャサリン・リードやメアリー・ブラック、彫刻家のアン・シーモア・ダマー、そして現在ではあまり知られていないがその時代の主要人物だったマーガレット・サラ・カーペンターなど、イギリス初の公共美術展に女性アーティストが参加しました。この展示は、アンジェリカ・カウフマンやメアリー・モザーを含め、王立アカデミー・オブ・アーツの創設会員に含まれた唯一の女性に焦点を当て、別の女性がメンバーシップを授与されるまでに160年を要したことも見ています。この時代の女性アーティストは、水彩画や花画などの「女性らしい」趣味としてよく一蹴されますが、多くの人がこれらのジャンルでプロとして活動していました：主要な観光アトラクションだったメアリー・リンウッドのギャラリー、生まれつき腕がなく口で絵を描いたサラ・ビフィンのミニアチュア、そして園芸協会で働いた植物イラストレーターのオーガスタ・ウィザースを特集しています。 ビクトリア朝では、公衆展示会場が大幅に拡大しました。「Now You See Us」は、この時代の批評家から高く評価されたアーティストたちによる主要作品を披露しており、ジョン・ラスキンが自身の発言「女性は絵を描けない」と撤回するきっかけとなったエリザベス・バトラー（旧姓トンプソン）の 「The Roll Call 1874」や、ヘンリエッタ・レイとアニー・スウィンバーンによるヌード画などが含まれます。この展示はまた、初めて公開されるフローレンス・クラクストンの風刺画 「Woman’s Work’: A Medley 1861」や、王立アカデミー・スクールへの女性の入学を求めるキャンペーンで知られるバーバラ・レイ・スミス・ボディチョンなど、アクティビズムとのつながりを見ています。美術学校に最終的に入学した学生の作品や、人物モデルクラスへの平等なアクセスを求める請願書も展示されています。 展示は、女性参政権運動や第一次世界大戦の初期の20世紀で終わります。グウェン・ジョン、ヴァネッサ・ベル、ヘレン・サンダースなどの女性アーティストは、近代主義、抽象主義、ヴォーティシズムの出現に重要な役割を果たしましたが、アンナ・エアリーのような他のアーティストは、伝統的な慣習で引き続き優れた作品を創出しました。展示会の最後のアーティストであるローラ・ナイトとエセル・ウォーカーは、野心的で独立した自信に満ちたプロフェッショナルとして重要な例を示し、ついには王立アカデミーのメンバーシップを獲得し、批評家からの称賛を得ました。