ニューヨーク

ニューヨーク・シティ・オペラは、偉大なるオペラ作曲家ジャコモ・プッチーニの没後100周年を記念して、「プッチーニ・セレブレーション」を開催します。このイベントは、バンク・オブ・アメリカが提供するブライアント・パーク・ピクニック・パフォーマンスの一環として、2024年5月31日と6月1日の両日、午後7時からブライアント・パークにて行われます。入場は先着順で、事前のチケットは不要です。観客にはピクニックブランケットが無料で貸し出されるため、カジュアルに楽しむことができます。詳細は、bryantpark.org/picnicsをご覧ください。 現地に足を運べない方は、ブライアント・パークのウェブサイトやソーシャルメディアプラットフォームを通じて、全国無料ライブストリーミング放送もご利用いただけます。 ニューヨーク・シティ・オペラの総監督であるマイケル・カパッソ氏は、「屋外での公演の一番の魅力は、星空の下で音楽が響き渡る様子です。夏のブライアント・パークは、ニューヨーク市の象徴的な風景に囲まれた魔法のオアシスであり、これに勝るものはありません。"The People’s Opera"（人々のオペラ）として、ブライアント・パークとのパートナーシップを通じて、無料でニューヨーカーに素晴らしいオペラを提供できることを大変喜ばしく思います」と述べています。 ブライアント・パークの公共イベント担当副社長であるダン・フィッシュマン氏は、「ピクニック・パフォーマンスは、ニューヨーク市の素晴らしい芸術と文化を誰もがアクセスしやすいものにすることを目指しています。伝統的な会場の障壁を取り除き、ニューヨーク・シティ・オペラのような素晴らしいパートナーの助けを借りて、ブライアント・パークは初めてオペラを聴く新しい観客と、長年のファンが新しい方法でこれらの名作を体験するための素晴らしい場所となっています」とコメントしています。 ニューヨーク・シティ・オペラは、1943年の創立時にフィオレロ・ラガーディア市長によって「The People’s Opera」と称されました。それから75年以上経った現在でも、シティ・オペラは革新的で演劇的に魅力的なオペラを通じて観客を感動させ、有望なアメリカ人アーティストの作品を育成し、手頃なチケット価格と広範なアウトリーチおよび教育プログラムを通じて新しい観客を育てるという歴史的な使命を続けています。ピクニック・パフォーマンスは、ブライアント・パークでのオペラの伝統を継続しています。 プッチーニ・セレブレーション ブライアント・パーク、42ndストリート（5番街とアメリカズ・アベニューの間）、NYC、NY 2024年5月31日（金）午後7時および2024年6月1日（土）午後7時 ジャコモ・プッチーニ没後100周年を記念して、ピクニック・パフォーマンスのオープニングウィークエンドでは、ニューヨーク・シティ・オペラによる2つの豪華なコンサートがプッチーニの巨大で忘れられない遺産を祝います。ニューヨーク・シティ・オペラ管弦楽団と合唱団が出演し、指揮者ジョセフ・レスチーニョの指揮のもと、すべてのプッチーニオペラからの選曲を、オペラ界の輝かしいスターたちが演奏します。そして、最も愛されるアリア、二重唱、アンサンブルが披露されます。 出演者： クリスティン・サンプソン（ソプラノ） アシュリー・ベル（ソプラノ） ヴィクター・スタースキー（テノール） ウーヨン・ユン（テノール） トッド・トマス（バリトン） タテヴ・バロヤン（ソプラノ） プッチーニ没後100周年の祝賀は、この夏後半にも続きます。ニューヨーク・シティ・オペラがブライアント・パークで2024年8月23日（金）午後7時および8月24日（土）午後7時に、定番の「トスカ」を上演します。

2024年5月21日、フィラデルフィア州ペンシルバニア – ペンシルバニア大学のアーサー・ロス・ギャラリーは、「David C. Driskell and Friends: Creativity, Collaboration, & Friendship」展を発表します。この展覧会では、著名なアーティスト、アート歴史家、キュレーターであるデイヴィッド・C・ドリスケルと、ロマーレ・ビアーデン、エリザベス・キャトレット、ジェイコブ・ローレンス、キース・モリソン、ヘイル・ウッドラフなどとの関係を探ります。この全国巡回展の第4回目となる今回のキュレトリアルフォーカスは、6月15日から9月15日まで公開される抽象表現における形と色に注目します。 1976年に、ドリスケルは画期的な展覧会「Two Centuries of Black American Art: 1750–1950」をキュレートし、アメリカの美術館に現代および歴史的なブラック・アメリカン・アートのプレゼンスを拡大しました。この展覧会に紹介された多くのアーティストが今回の展示にも含まれています。「David C. Driskell & Friends: Creativity, Collaboration, and...

ニューヨーク、NY - ポール・テイラー・ダンス・カンパニーが2024年6月25日から6月30日にかけてジョイス劇場に戻り、「エクストリーム・テイラー」と題した2つのプログラムを披露します。この公演は、ポール・テイラーによる人間の状態に対する独自の観察を称え、1964年から1988年にかけて制作された7つのクラシック作品を特集します。プログラムに含まれる作品は以下のとおりです。『デュエット』（1964年）、『ポスト・メリディアン』（1965年）、『プライベート・ドメイン』（1969年）、『ビッグ・バーサ』（1970年）、『ルーン』（1975年）、『エアーズ』（1978年）、『ブランデンブルグ』（1988年）です。チケットは12ドルから82ドル（手数料込み）でオンラインで購入できます。 芸術監督のマイケル・ノヴァクは次のように述べています。「『エクストリーム・テイラー』では、観客にポール・テイラーのロマンティック、邪悪、喜び、官能的な表現を垣間見せます。ポールが美しさを祝うダンスを振り付けたとき、その結果は純粋さにおいて驚異的でした。そして、彼が社会の恐怖に直面したとき、その視覚的なインパクトは圧倒的で、観客は目をそらすことができませんでした。64年にわたる彼の振付キャリアの中で、常に観客を魅了し続けた彼の作品群を、今回のジョイス劇場での公演で一挙に楽しむことができるのは、非常に貴重な機会です。」 チケット情報とスケジュール チケットは12ドルから82ドル（手数料込み）です。公演スケジュールは以下の通りです： 6月25日（火）午後7時30分：『プライベート・ドメイン』『デュエット』『ビッグ・バーサ』『エアーズ』 6月26日（水）午後7時30分：『ルーン』『ポスト・メリディアン』『ブランデンブルグ』（公演後にカーテンチャットあり） 6月27日（木）午後8時：『プライベート・ドメイン』『デュエット』『ビッグ・バーサ』『エアーズ』 6月28日（金）午後8時：『プライベート・ドメイン』『デュエット』『ビッグ・バーサ』『エアーズ』 6月29日（土）午後2時：『ルーン』『ポスト・メリディアン』『ブランデンブルグ』 6月29日（土）午後8時：『プライベート・ドメイン』『デュエット』『ビッグ・バーサ』『エアーズ』 6月30日（日）午後2時：『ルーン』『ポスト・メリディアン』『ブランデンブルグ』 レパートリの説明 デュエット（1964年）：このロマンティックなデュエットは、シンプルさ、美しさ、純粋さ、優雅さが際立つテイラーの技法を象徴しています。 ポスト・メリディアン（1965年）：エヴリン・ロホフェ・デ・ボエックによる委嘱スコアとアレックス・カッツの鮮やかな衣装に影響を受けたこの純粋な動きの作品は、感情を排除し、形式に焦点を当てた前衛的で好奇心をそそる作品です。 プライベート・ドメイン（1969年）：エロティックで覗き見的なこの作品は、舞台前方にあるいくつかの黒いカーテンの背後で演じられ、観客それぞれに異なる視点を提供します。 ビッグ・バーサ（1970年）：アメリカのフェアグラウンドとその機械的なアミューズメントを呼び起こすこの作品は、善良なミッドウェスタンの家族が邪悪な音楽マシーンによって操作され、破壊される様子を描いています。 ルーン（1975年）：未知の儀式が展開されるこの作品は、神秘性、運動能力、そして心打つ美しさを引き出しています。 エアーズ（1978年）：リリカルで力強いこのダンスは、関係性とロマンスを探求しています。 ブランデンブルグ（1988年）：バッハのブランデンブルク協奏曲の喜びあふれる雰囲気を取り入れた優雅で技巧的なこの作品は、最高の振付の壮大さを表現しています。 リーダーシップファンディングと支援情報 主要な支援は、スティーブン・クロール・レイディによって提供されています。また、SHS財団、ジョディ＆ジョン・アーノルド、ハワード・ギルマン財団、シュバート財団、および匿名のドナーからも主要な支援が提供されています。さらに、S&Pグローバル、ファン・フォックス＆レスリー・R・サムエルズ財団、グラディス・クライブル・デルマス財団からも重要な支援が得られています。公共の支援は、ニューヨーク市文化局と市議会の連携、および知事室とニューヨーク州議会の支援を受けたニューヨーク州芸術評議会によって提供されています。ポール・テイラー・ダンス・カンパニーは、ハーラン・モース・ブレイクとメアリー・J・オズボーンの遺産に感謝の意を表します。 ポール・テイラー・ダンス・カンパニーは、1954年以来、モダンダンスの革新と変革を追求してきた最も象徴的でダイナミックなモダンダンス集団の一つです。多分野にわたるコラボレーション、情熱的な表現、そしてスリリングなスポーツ性を特徴とする同カンパニーは、世界中でその広範なレパートリーで知られています。創立者のカノンからの作品、新進気鋭の振付家による新作、および20世紀と21世紀の重要な歴史的ダンスを演じることで、同カンパニーはモダンダンスを可能な限り広い観客に共有することを目指しています。カンパニーは、国内外を問わず年間を通して公演やさまざまな教育プログラム、エンゲージメント活動を行っています。

ニューヨーク州ブルックリン – テルマ・ヒル・パフォーミングアーツセンター（THPAC）は、6月21日、22日、23日にエンターテインメント・コミュニティ・ファンド・アーツセンターのマーク・オドネル・シアター（160 Schermerhorn Street, Brooklyn）で第48回年次ダンスフェスティバル「カラーポワント」を開催します。THPACが約半世紀にわたって遂行してきた使命に基づき、「カラーポワント」では、現代と古典のバレエカンパニーやカラーチェ舞踏家による作品が披露されます。チケット価格は$17.85からで、thelmahill.org/eventsでオンライン購入が可能です。 「In the recent past, ballet has broken new ground with fresh choreographic visions bursting forth」とTHPACのエグゼクティブ・チェアマン、アレックス・スミス・ジュニア氏は述べました。「In recognition of this positive...

ニューヨーク、ニューヨーク - ベリー・キャンベルギャラリーは、ドロシー・デヘナー（1901-1994）の絵画、素描、彫刻の回顧展を開催します。「ドロシー・デヘナー：回顧展」は、1930年代から始まり、1980年代および1990年代の大規模なモニュメンタル彫刻に至るまで、デヘナーの70年にわたる芸術的キャリアを織り交ぜて紹介します。これは、1995年にオハイオ州クリーブランド美術館で行われた回顧展以来、この規模と深さを持つ初の展示となります。 展示は、1936年の初期の静物画から始まり、1940年代および1950年代の「ウェット・オン・ウェット」技法を用いた象徴的なインクと水彩の抽象素描シリーズを続けて展示します。ドロシー・デヘナーは著名な彫刻家デヴィッド・スミスと結婚していましたが、1950年に離婚しました。結婚中、彼女は一人の彫刻家だけがいるべきだと感じていたため、1952年になってようやく成功と自由を得て、新しいメディアに挑戦する自信を得ました。この展示では、1950年代および1960年代に主に失われたワックスプロセスを用いて作成された初期の彫刻のいくつかを特徴としています。 1970年代のアッサンブラージュシリーズ「I Ching」と呼ばれる彼女のほとんど知られていない作品に専念したギャラリーもあります。ルイーズ・ネヴェルソンはデヘナーをジョン・ケージに紹介し、その音と理論がこの作品群に影響を与えました。「無題（I Ching）」はトーテミックな雰囲気を持ち、薄い木片をリズミカルに配置して作られています。キャリアの終わりに向かって、デヘナーは大規模な彫刻を作成するという夢を実現するためにファブリケーターと協力し始めました。展示の中心となるのは、1989年に制作された最大の作品の一つである「プレリュードとフーガ」で、高さ8フィート、幅8フィートを超える黒塗りのスチール製です。「デメテルのハロー（1990）」は、コルテン鋼で作られた幾何学的な形状を接続することによって作られた大規模な遊び心のある彫刻です。 ドロシー・デヘナーファウンデーションの会長であるジョアン・M・マルター博士は、その研究と執筆を通じて、デヘナーを他の抽象表現主義者の文脈に置き、多くの最近の賞賛を得ています。2023年には、「ウーマンズ・アート・ジャーナル」の特集記事「ドロシー・デヘナーと抽象表現主義者の中の女性彫刻家たち」が掲載され、デヘナーとルイーズ・ネヴェルソンの親しい友情について論じられました。デヘナーは、ニューヨーク近代美術館での「メイキングスペース：女性アーティストと戦後の抽象」（2017）を含む多数のグループ展示に参加しており、彼女のトーテミックな彫刻「エンカウンター」は現在、ニューヨーク近代美術館で展示されています。 デヘナーは、ネヴェルソン、ルイーズ・ブルジョワ、ハーバート・フェバー、イブラーム・ラッソー、デヴィッド・ヘア、そしてデヴィッド・スミスと並ぶ抽象表現主義の彫刻家の中に位置づけられています。彼女の作品は、ニューヨーク近代美術館、ホイットニー美術館、メトロポリタン美術館、国立女性芸術博物館、ストームキングアートセンター、大英博物館、ドレスデン美術館など、多くのコレクションに収蔵されています。ベリー・キャンベルはドロシー・デヘナーファウンデーションを代表しています。 「ドロシー・デヘナー：回顧展」は、2024年5月23日から6月22日までベリー・キャンベルで開催され、開幕レセプションは2024年5月30日木曜日の午後6時から8時まで行われます。展示には、ジョアン・M・マルター博士の序文とソフィー・ラコウスキーによる全長のエッセイが掲載された64ページの完全にイラスト付きのカタログが付随しています。ギャラリーは、6月1日土曜日の午後3時にマルター博士によって主導されるパネルディスカッションを開催します。 ギャラリーについて クリスティーン・ベリーとマーサ・キャンベルは、10年前にニューヨークのチェルシーでベリー・キャンベルギャラリーを開業しました。ギャラリーは、特に抽象表現主義の女性たちを中心に、過小評価されたまたは無視された戦後アメリカの絵画のアーティストを代表する微調整されたプログラムを持っています。設立以来、ギャラリーは年齢、人種、性別、または地理によって見落とされてきたアーティストを明らかにするための研究に強い重点を置いてきました。このユニークな視点は、キュレーター、コレクター、報道機関からますます認識されています。 2022年、ベリー・キャンベルはチェルシーの最も権威あるブロックの一つである524 W 26th Streetに移転しました。この9,000平方フィートのスペースは、以前パウラ・クーパーギャラリーやロバート・ミラーギャラリーなどのアート界のアイコンが使用していた場所です。 この展示は、ドロシー・デヘナーの多面的な芸術的才能を包括的に紹介するものであり、彼女の作品が今なお多くの人々に感銘を与え続けていることを示しています。ぜひ足を運び、彼女の卓越した作品に触れてみてください。

ニューヨーク、ハウザー＆ワースの22番街ギャラリーで2024年7月26日まで開催される「Daydream Nation」展では、メアリー・ハイルマンの長年にわたる関心事である、記憶の軌跡を描写する形式としてのドローイングが探求されています。この展示は、ニューヨークのスクール・オブ・ビジュアル・アーツで彼女の友人であり、かつての学生であり同僚だったアーティスト、ゲイリー・シモンズによってキュレーションされました。複雑なイメージやアイデアを単純な幾何学的形態や抽象的なジェスチャー的マークに見事に凝縮する彼女の才能を称え、1970年代から2000年代初頭にかけての、めったに見られない、またはこれまで未公開だった紙上作品を通じて、どのようにドローイングがハイルマンの創造過程での夢想—過去の旅行の光景、音、出来事や彼女が想像する未来を呼び起こす形式—として機能するかが明らかにされます。 「私は人生の多くの章をメアリーと共に過ごしてきました」とシモンズは言います。「これらの作品を選び、彼女と協力することで、彼女の実践について思っていた以上のことを学びました。彼女のドローイングや絵画には、夢の風景、砂漠を旅し、海岸から海岸へと旅する彼女のモザイクがあります。」 ハイルマンは、異なる作品を遊び心を持って組み合わせるインスタレーションで知られています。「Daydream Nation」は、大規模な絵画のための水彩研究から、それ自体として機能する紙上の絵画に至るまで、紙上の作品を展示し、彼女の陶器の彫刻や彫刻的な椅子の選択とともに、環境的に気まぐれながらも概念的に厳格な環境を創出しています。ハイルマンはしばしばシリーズ作品を制作し、時間をかけて特定の形や色の配置を再訪し、再想像します。ここでの椅子、バラのつぼみ、螺旋、波、ウェブといった反復するモチーフで証明されています。しかし、ハイルマンの作品集において、繰り返しは違いを生み出し、この多様性から記憶の機能とそれを翻訳する私たちの過程についての重要な真実が浮かび上がります。 ドローイングは常にハイルマンの実践において重要な要素であり、「Daydream Nation」ではさまざまな形で現れています。この展覧会では、既存の作品を再想像し、新しい表現形式へと拡張する新しい壁画のようなインスタレーションが特徴です。これは、シモンズが自身の作品でこの媒体の壮大なスケールを頻繁に探求することと対話しながら開発された、ハイルマンにとって今回が7回目の壁画です。 この展覧会のタイトルは、ソニック・ユースの画期的なアルバム「Daydream Nation」（1988年）から取られています。これは、ハイルマンの創造的な運動としての夢想に対する長年の関心と、この過程での旅行の重要性を呼び起こすとともに、1968年以来彼女が採用した故郷であるニューヨーク市の若者の反逆の文化の中に彼女の作品集を位置づけ、個人的にも専門的にも常に彼女にエネルギーとインスピレーションを与えてきたカリフォルニア生まれのアーティストのためのものです。 アーティストについて 1960年代のカウンターカルチャー、フリースピーチ運動、そして彼女の故郷カリフォルニアのサーフ文化の影響を受けたメアリー・ハイルマンは、彼女の世代で最も影響力のある抽象画家の一人とされています。ミニマリズムの分析的なジオメトリーとビート・ジェネレーションの自発的な精神を重ね合わせたハイルマンの実践は、常にそのしばしば異端であり—常に喜びに満ちた—色と形に対するアプローチで識別可能です。 サンフランシスコとロサンゼルスで育ったハイルマンは、文学の学位を取得した後、バークレーで陶芸を学びました。1968年にニューヨークに移住してから彼女は絵を描き始めました。当時のほとんどのアーティストが作品自体の物質的な存在以外の経験を避けるべきだと主張する非物質化の概念を実験している中、ハイルマンは絵画を選び、受け入れられた規則に反逆しました。「現代の、非具象的な形式主義の命令に従うのではなく、創造過程で取られる本質的な決定がますます内容に関連していることを理解し始めました。モダンな動きは終わりました…」 それ以来、ハイルマンはさまざまな連想を喚起する作品を創造してきました。彼女の作品は非具象的であり、基本的な幾何学的な語彙—円、四角、グリッド、ストライプ—に基づいているかもしれませんが、常にそれらには何か少し変わったものがあります。形態のシンプルさは、欺瞞的な非慎重さによって弱められます：輪郭は明確に定義されていません。一部の絵画では、液体のように互いに溶け合うようなアモルファスな形が現れます。色のしぶきが認識でき、鋭いエッジが明らかな理由もなく流れ出し、ブラシの筆跡が常に感じられます。ハイルマンのカジュアルな絵画技術は、しばしば複雑な構造を隠し、それが視聴者に徐々に明らかにされます。 アーティストの1967-1971年の天体作品も、現在ダイア・ビーコンで長期展示「メアリー・ハイルマン。Starry Night。」で見ることができます。

ロンドンのMaureen Paleyは、2022年のHepworth Wakefieldでの回顧展「In Real Life」に続き、ハンナ・スターキーの8回目となる個展を開催しています。彼女の作品は現在、Hayward Gallery Touringの展覧会「Acts of Creation: On Art and Motherhood」と「After the End of History: British Working Class Photography 1989 – 2024」、そしてV&Aロンドンとの共同主催によるSouth...

ニューヨーク、NY | 2024年5月6日 - アーティストのパルム・マリンは、絵画、髪の毛、木材、テキスタイルを使用して、伝統的な美術、女性性、そして身体に対する概念に挑戦する新作群である「In The Name of The Mother」のデビュー個展を披露することを発表しました。この展示会では、絵画と彫刻を組み合わせた11点の混合メディア作品が展示され、2024年5月7日から19日までChinatown Soup Galleryで観覧できます。 「この展覧会は、私の母性を通じた個人的な旅の象徴です」とマリンは言います。「私は、目を引く材料の対比を生み出し、芸術的な視点を通じて自分の物語を共有するために、しばしば予期せぬ素材を使います。『In The Name of The Mother』は、幼少期から今日に至るまで、私が長年にわたって集めてきた様々なインスピレーションの集大成です。このシリーズの目的は、社会的圧力や本能によって "母親の役割" に閉じ込められたと感じている母親たちや、バランスを見つけることへの闘いについて、会話と思慮深い分析を促すことです。」 パルム・マリンの多面的な作品は物質性と物理的な世界に根ざしており、身体、自律性、女性性、相続という触れることのできない概念と触感の概念を探求する手段です。彼女の内省的な作品は、厳格な育成、押し付けられた観点、選択された人生の解明に基づいています。女性、アーティスト、母親としての自身の進化するアイデンティティを通じて、マリンは子育ての戦術的な年齢において「自己」にしばしば社会的に課される制限を明るみに出します。バスルームを個別の家庭空間として位置づけることで、マリンの自画像はユーモラスでありながら批判的であり、彼女の足を人生におけるバランスを保つ象徴的な方法として、かつ密室の中での自己顧みとして焦点を当てています。彼女はフレーミングを作品の完全に統合された部分として取り入れ、全てを一緒に保持する枠組みとしての象徴として利用しています。 彼女の混合メディア作品は、18世紀フランスの式典装飾を参照した人物像と歴史的肖像画のハイブリッドを通じて、さらに自己と女性の身体との格闘を描きます。マリンはテキスタイル、レザー、木材、ビーズ、レースなど、伝統的な家庭用素材を使用し、ロココ様式を解体します。これらの作品は、引っ張られたり、摘まれたり、引き締められたり、詰められたりする母性の物理性を伝えます。 彼女が作品に適用する研究は、欠陥の受け入れと女性性及び母性へのより自由な道の認識に基づいており、人類学的な視点から身体を分析しています。彼女は創造を心理的な解放の手段として利用し、ルイ14世時代からアールデコに至るまでのフランス装飾芸術からインスピレーションを引き出しています。彼女の参照は遊び心がありながらも博識であり、レザー、ラテックス、ロープの使用によって柔らかさと荒々しさ、二重性、制約、力と支配のアイデアを伝えます。