展览

2024年5月21日，宾夕法尼亚州费城——宾夕法尼亚大学亚瑟·罗斯画廊荣幸地推出展览《大卫·C·德里斯科尔与朋友：创意、合作与友谊》。该展览探讨了著名艺术家、艺术史学家和策展人大卫·C·德里斯科尔的作品以及他与罗马雷·比尔登、伊丽莎白·卡特莱特、雅各布·劳伦斯、基思·莫里森、黑尔·伍德拉夫等人物的关系。在这次全国巡回展览的第四个版本中，策展重点将放在抽象艺术中的形式和色彩上，展览时间为2024年6月15日至9月15日。 1976年，德里斯科尔策划了开创性的展览《二百年黑人美术：1750-1950》，该展览对于扩大当代和历史黑人美术在美国博物馆中的存在具有重要意义。此次展览中展出了许多曾参与该展览的艺术家。《大卫·C·德里斯科尔与朋友：创意、合作与友谊》突显了非洲裔美术及其在艺术史上的重要性。德里斯科尔作为学者和艺术家的双重角色，在推动更大可见性方面起到了关键作用，这一重要展览将详细探讨这一点。 此次全国巡回展览由谢拉·伯格曼、卡尔利·雷文·霍尔顿和希瑟·辛卡维奇共同策展，重点展示了德里斯科尔、查尔斯·奥尔斯顿、罗马雷·比尔登、约翰·比格斯、伊丽莎白·卡特莱特、克劳德·克拉克、亚伦·道格拉斯、梅尔文·爱德华兹、费尔拉特·海因斯、厄尔·J·霍克斯、玛戈·汉弗莱、洛伊丝·迈洛·琼斯、雅各布·劳伦斯、诺曼·刘易斯、理查德·梅休、山姆·米德尔顿、基思·莫里森、玛丽·洛夫莱斯·奥尼尔、贝蒂·萨尔、阿尔玛·托马斯、查尔斯·怀特、威廉·T·威廉斯、埃利斯·威尔逊和黑尔·伍德拉夫的抽象作品。此次展览由亚瑟·罗斯画廊首任教员主任温德林·杜波依斯·肖合作组织，重点展示了这些艺术家在广泛的非洲侨民中对形式、色彩以及地点的兴趣。 “此次展览凸显了大卫·C·德里斯科尔所代表的变革力量，” 亚瑟·罗斯画廊展览与策展事务主任艾米丽·齐默曼说。“作为致力于变革性学术研究的大学艺术画廊，我们非常高兴能展示一群艺术家的作品，他们在20世纪70年代改变了艺术史的进程，并将黑人美术和非洲侨民美术经典化。这在当时是激进的，现在仍然是艺术史中的一个重要篇章。” 《大卫·C·德里斯科尔与朋友：创意、合作与友谊》突显了大卫·C·德里斯科尔的艺术遗产及其与其他艺术家的重要关系，在艺术经典中占据了重要地位。展览将附有一本目录，包含艺术作品、照片、文章以及关于德里斯科尔生活和作品的丰富材料。 此次巡回展览首次在威尔克斯大学的索多尼艺术画廊展出，随后在加州大学河滨分校的加州摄影博物馆和马里兰大学的大卫·C·德里斯科尔中心展出，之后来到亚瑟·罗斯画廊。它还将巡展至萨吉诺谷州立大学的马歇尔·M·弗雷德里克斯雕塑博物馆、弗里斯特艺术博物馆和佛罗里达国际大学的帕特里夏与菲利普·弗罗斯特艺术博物馆。 《大卫·C·德里斯科尔与朋友：创意、合作与友谊》由马里兰大学德里斯科尔中心组织。本次展览及相关节目得到了泰杰基金会的支持。

2024年5月，亚扎布代山画廊将举办35年来亚历山大·考尔德在东京的首次个展。展览将展出约100件来自考尔德基金会的作品，包括艺术家标志性的移动雕塑。 亚扎布代山画廊（亚扎布代山花园广场A MBF）将于2024年5月30日星期四至2024年9月6日星期五举办“考尔德：日本效应”展览。这是考尔德35年来首次在东京举办个人展览。该展览由考尔德基金会主席亚历山大·S·C·罗威尔策划，并与佩斯画廊合作组织，将展示考尔德基金会收藏的约100件作品，时间跨度从1930年代到1970年代，涵盖了艺术家标志性的移动雕塑、静态雕塑、立式雕塑、油画和纸上作品。 虽然考尔德本人从未亲自到访日本，但他在世时受到了许多日本艺术家和诗人的欢迎。现今，日本18家博物馆收藏着他超过二十件作品。为了延续考尔德与当时最伟大建筑师合作的精神，纽约知名设计师、考尔德基金会长期合作伙伴斯蒂芬妮·高藤设计了一款独特的展览设计，以3:4:5三角形的几何结构为基础，优雅而现代地引用了日本建筑和材料。 “考尔德：日本效应”是亚扎布代山画廊与佩斯画廊新策展合作的一部分，佩斯画廊将在2024年7月于东京亚扎布代山开设一个永久空间。自1984年以来，佩斯画廊一直与考尔德基金会密切合作，并在其全球各地的画廊（包括香港和首尔）展出过多次考尔德的作品。佩斯出版公司将推出一本英语和日语的新展览目录，伴随即将在东京举办的展览。 关于亚历山大·考尔德 亚历山大·考尔德（1898年生于宾夕法尼亚州劳顿；1976年逝于纽约市）被广泛认为是20世纪最重要的艺术家之一。他出生于一个著名但更为古典训练的艺术家家庭，开始了他的艺术实践，通过弯曲和扭转金属线，他基本上在空间中“绘制”出三维人物。考尔德最著名的是他发明的“移动雕塑”，悬挂的抽象元素在不断变化的和谐中运动和平衡。“移动雕塑”一词由马塞尔·杜尚于1931年创造，指的是法语中的“运动”和“动机”。一些早期的移动雕塑通过电动机移动，虽然这些机械装置几乎被考尔德放弃，因为他开发了可以对空气流动、光线、湿度和人类互动做出反应的物体。利用运动作为他悬挂雕塑的关键元素，他是动态艺术创作的先驱之一。他还创作了静止的抽象作品，同行艺术家让·阿尔普称之为“静态雕塑”。 虽然他因移动雕塑而最为著名，这些作品改变了现代雕塑的观念，但考尔德也在绘画、绘图、印刷和珠宝制作等领域工作。从1950年代开始，他将注意力转向国际委托项目，并越来越多地致力于用螺栓钢板制作大型户外雕塑——如今，这些宏伟的作品可以在世界各地的公共场所找到。

三十多年来，Leonardo Drew因其深沉的抽象雕塑作品而闻名，这些作品在秩序与混乱之间制造了一种紧张感。无论是宏大还是亲密的尺度，他的作品都让人联想到后极简主义雕塑，暗示了北美的工业过去。Drew利用木材、玻璃、石膏和棉花等原材料的积累，来表达诸如生命与衰亡的循环、自然从时间中侵蚀和再生等主题。他的表面散发出内在的能量，在网格的形式结构与自然的无序能量之间形成一种张力，这既是创造也是毁灭。 此次在Galerie Lelong的第二次展览将聚焦于一个新的现场响应爆发装置以及一系列“核心”作品，这些作品包含了玻璃和彩绘石膏。每种新材料为Drew提供了重新发明和延伸的可能性，同时材料的再利用赋予了它们新的能量和意义。Drew将现场响应爆发装置适应于Lelong的历史性18世纪环境。“作品的适应性就是作品的生命”，Drew表示，雕塑与场地的关系和再发明是他接受的挑战。 Drew最近的个展包括在约克郡雕塑公园（2023年）和阿蒙卡特博物馆（2023-2024年）。他的作品在国际上展出，并被众多公共收藏机构收藏，包括：巴尔的摩艺术博物馆、纽约大都会艺术博物馆、纽约现代艺术博物馆、班顿维尔水晶桥博物馆、纽约所罗门·R·古根海姆博物馆、洛杉矶当代艺术博物馆、华盛顿特区赫希洪博物馆和雕塑园以及伦敦泰特美术馆。 Drew于1961年出生在佛罗里达州塔拉哈西，并在康涅狄格州布里奇波特长大。他目前居住和工作在纽约布鲁克林和德克萨斯州圣安东尼奥。

Berry Campbell画廊欣然宣布将举办《多萝西·德赫纳回顾展》，展出这位艺术家（1901-1994）长达七十年的绘画、素描和雕塑作品。此次展览是自1995年俄亥俄州克利夫兰艺术博物馆举办的德赫纳回顾展以来，规模和深度最为详尽的一次。 展览将从德赫纳1936年的一幅早期静物油画开始，接着展示她在1940和1950年代使用“湿对湿”技法创作的标志性墨水和水彩抽象画。德赫纳曾与著名雕塑家大卫·史密斯结婚，直到1950年离婚期间，她认为婚姻中只能有一位雕塑家，因此在1952年之后她才找到成功、自信和自由，开始大胆尝试新媒体，全面转向雕塑创作。此次展览将展出她1950和1960年代利用失蜡工艺创作的几件早期雕塑作品。 展览还专门设立了一个展厅，展示她1970年代鲜为人知的《易经》系列组装作品。德赫纳受路易斯·内维尔森介绍的约翰·凯奇的声音和理论影响，这些作品具有图腾的感觉，由薄木片组成的节奏模式排列成形。德赫纳晚年开始与制造商合作，实现她创作大型雕塑的梦想。展览的中心作品是她1989年创作的《前奏与赋格》，这件作品高八英尺，宽八英尺，由黑色钢材制成。另一件重要作品是1990年的《得墨忒耳的耙》，由耐候钢制成的几何形态连接而成，充满了玩味。 多萝西·德赫纳基金会主席琼·M·马特博士通过研究与写作，将德赫纳置于其他抽象表现主义艺术家的语境中，赢得了许多赞誉。2023年，《妇女艺术杂志》刊登了以德赫纳为主题的文章《多萝西·德赫纳与抽象表现主义中的女性雕塑家》，讨论了德赫纳与路易斯·内维尔森的亲密友谊。德赫纳的作品多次参展于纽约现代艺术博物馆，最近一次是在2017年的《创造空间：女性艺术家与战后抽象艺术》展览中。德赫纳的图腾雕塑《相遇》目前在纽约现代艺术博物馆展出。 德赫纳在抽象表现主义雕塑家中占据一席之地，与内维尔森、路易丝·布尔乔亚、赫伯特·费尔贝尔、伊布拉姆·拉索、戴维·海尔和她的前夫大卫·史密斯齐名。她的作品被许多知名博物馆收藏，包括纽约现代艺术博物馆、惠特尼美国艺术博物馆、大都会艺术博物馆、国家女性艺术博物馆、风暴王艺术中心、大英博物馆及德累斯顿博物馆等。Berry Campbell画廊代表多萝西·德赫纳基金会。 《多萝西·德赫纳回顾展》将于2024年5月23日至6月22日在Berry Campbell画廊展出，开幕酒会定于2024年5月30日星期四晚6点至8点举行。展览配有64页全彩画册，附有琼·M·马特博士的介绍和索菲·拉乔斯基的长篇文章。画廊将在6月1日星期六下午3点举办由马特博士主持的小组讨论会。 关于画廊 Christine Berry与Martha Campbell于十年前在纽约切尔西开设了Berry Campbell画廊。画廊的展览项目精心策划，专注于战后美国绘画艺术家，尤其是那些被忽视或低估的女性抽象表现主义艺术家。自成立以来，画廊致力于通过研究发掘因年龄、种族、性别或地理位置而被忽视的艺术家。这一独特视角日益受到策展人、收藏家和媒体的认可。 2022年，Berry Campbell迁至切尔西最负盛名的街区之一——西26街524号。这个9,000平方英尺的空间曾是Paula Cooper画廊和Robert Miller画廊等艺术界标志性机构的所在地。

豪瑟沃斯画廊在其位于22街的展厅中开启了《Daydream Nation》展览，这一展览探索了玛丽·海尔曼对于绘画作为转录记忆形式的持续兴趣。展览由艺术家加里·西蒙斯策划，他是海尔曼的朋友，同时也是她在纽约视觉艺术学院的前学生和同事，这次展览庆祝了海尔曼将复杂的图像和想法巧妙地简化为看似简单的几何形式和抽象手势标记的才华。通过1970年代到2000年代初期的罕见和首次展出的纸上作品，这次展示揭示了绘画如何作为一种白日梦的形式——在海尔曼的创作过程中唤起她过去旅行的景象、声音和事件，或她想象的未来。 西蒙斯说：“我在生命中的许多章节都认识玛丽。通过挑选这些作品并与她合作，我对她的实践有了超乎想像的了解。在她的绘画和画作中，有一种梦境般的感觉，一种她穿越沙漠和从海岸到海岸旅行的马赛克。” 海尔曼以跨媒介工作和将不同作品以富有趣味性的方式结合的装置而闻名。反映艺术家的展览制作方法，《Daydream Nation》将纸上作品汇集在一起，从为更大的画作准备的水彩研究，到本身就能作为纸上画作的作品，再到她的陶瓷雕塑和雕塑椅子的精选，创造了一个既有趣又严谨的环境。海尔曼经常以系列形式工作，随时间重新审视和重新想象特定的形式和颜色组合，如此次展览中反复出现的椅子、玫瑰花蕾、螺旋、波浪和网等主题所证明的。但在海尔曼的作品中，重复产生差异，从这一多样性中浮现出关于记忆功能及我们翻译记忆过程的重要真理。 绘画在海尔曼的实践中始终占据重要位置，在《Daydream Nation》中以多种形式展现。展览特色之一是一个新的壁画式安装，它重新想象并扩展了现有作品成为一种新的表达形式。这是海尔曼迄今为止的第七幅墙绘，该安装是与西蒙斯的对话中发展出来的，西蒙斯在他自己的作品中经常探索这一媒介的巨大规模。 这次展览的标题来源于Sonic Youth的开创性专辑《Daydream Nation》（1988），海尔曼和西蒙斯都很喜欢。它唤起了海尔曼长期以来对白日梦作为创造性练习的兴趣，以及旅行对她在这一过程中的重要性，同时也将她的作品置于纽约市青年反叛文化之中，这位加利福尼亚出生的艺术家自1968年以来一直把纽约视为个人和专业的灵感和能量源泉。 关于艺术家 受到60年代反文化运动、言论自由运动和她加州本土的冲浪文化的影响，玛丽·海尔曼被认为是她这一代最有影响力的抽象画家之一。她的实践将极简主义的分析几何形态与垮掉一代的即兴精神结合在一起，总是以一种常常不规则—总是欢乐的—方式来处理色彩和形式。 海尔曼在旧金山和洛杉矶长大，完成了文学学位后，她在伯克利学习了陶瓷。直到1968年搬到纽约后，她才开始绘画。当时大多数艺术家都在试验物质解构的概念，并要求绘画避免引用任何超出作品本身物质存在的经验，海尔曼选择了绘画，反抗了接受的规则。“我开始明白，在创作过程中做出的基本决定越来越多地与内容相关。现代运动已经结束了……” 从那时起，海尔曼创造了引发各种联想的作品。她的作品可能是非具象的，基于一个基本的几何词汇—圆形、方形、网格和条纹—但总是有些轻微的古怪之处。简单的形式被一种欺骗性的随意性淡化：轮廓不是清晰定义的。在一些画作中，非具形的形态似乎像液态蜡一样融入彼此。可以辨认出颜色的飞溅，锐利的边缘无缘无故地流血，而且画笔的运笔总是可感知的。海尔曼的随性绘画技巧隐藏了一个通常复杂的结构，这个结构只是渐渐地向观众揭示自己。 艺术家的1967-1971年的天体作品目前也在迪亚比肯的展示《Mary Heilmann. Starry Night》中长期展出。

倫敦的莫林·佩利畫廊榮幸地宣布，漢娜·斯塔基將迎來她在畫廊的第八次個展，繼2022年在赫普沃斯菲爾德的回顧展“In Real Life”之後。目前，她的作品也在海沃德畫廊巡回展覽“創作行為：論藝術與母性”和“歷史終結之後：1989 – 2024年英國工人階級攝影”中展出，以及與V&A倫敦合作的南倫敦畫廊展覽“抗爭行為：攝影、女性主義與抗議藝術”。 斯塔基的大尺幅攝影作品深入探討當代文化中女性的呈現方式。她的肖像捕捉了日常生活中的瞬間和廣闊的女性經驗。斯塔基呈現了那些可能被忽視的私密反思或社交互動時刻，她的圖像大尺寸賦予了這些時刻以紀念性。 斯塔基評論道：“作為一名年輕女性，你非常清楚你是被觀察的對象，你被期望為他人的目光表演，我們被條件化到觀察自己被觀察的地步，並在這種語言或動態中操作。我的作品是一種與女性對話的方式，關於你不總是需要為凝視而表演，作為女性，存在著比被看見更多的事物。” 在她精心設計的場景中，斯塔基與她拍攝的女性緊密合作，討論構圖和姿勢，並不斷地向她們展示圖像以獲得她們對作品的認可。這是為了克服她所稱的“相機的消費眼光”，承認拍攝某人的行為中固有的層級潛力。2023年1月未命名的作品，展示了年輕女性互相拍攝的情景；該作品在她與來自韋克菲爾德CAPA學院的女學生合作期間拍攝，斯塔基創建了一個充滿同情和歡樂的空間，作為數字操縱對自我認知造成損害的藥膏。 斯塔基通過使用玻璃和反射，使觀眾對女性的接觸變得錯位。主體透過窗戶和鏡子展示，這一過程迫使眼睛在理解場景時放慢速度。她觀察到：“我想將女性形象帶到那種被碎片化和打碎的狀態……構建圖像，使其更難以解構，阻擋消費眼光。”在自畫像中，斯塔基出現在碎裂鏡子的反射中，將自己置於相機鏡頭的凝視之後，同時也成為其主體。將鏡頭轉向自己的行為同樣模仿了社交媒體中自我代表的日益普遍和強大，由此帶來的自我形象的無情增殖。 漢娜·斯塔基（1971年出生於貝爾法斯特），現居倫敦。2019年，她憑藉在赫普沃斯菲爾德的大型調查展覽“Hannah Starkey: In Real Life”獲得了Freelands獎。她的個展包括：《原則與革命：北愛爾蘭的和平女性》，貝爾法斯特阿爾斯特博物館，2023年；《慶祝城市女性》，倫敦市政廳藝術畫廊，2020年；巴黎愛爾蘭文化中心，2016年；倫敦莫林·佩利畫廊，2015年；考文垂大學藝術中心米德畫廊，2011年；都柏林現代藝術博物館，2000年；都靈里沃利城堡，2000年；曼徹斯特Cornerhouse，1999年。 她參加的精選團體展覽包括：“抗爭行為：攝影、女性主義與抗議藝術”，南倫敦畫廊，2024年；“創作行為：論藝術與母性”，海沃德畫廊巡回展，布里斯托阿諾爾芬尼畫廊，之後巡回至伯明翰中部藝術中心、謝菲爾德千禧畫廊，2024年；“歷史終結之後：1989 – 2024年英國工人階級攝影”，海沃德畫廊巡回展，考文垂赫伯特藝術畫廊，之後巡回至南安普頓焦點畫廊、諾丁漢博寧頓畫廊；“當下：歐洲的性別與國家，從Mark Fehrs Haukohl攝影收藏中選出”，洛杉磯縣立藝術博物館，2021年，之後巡回至布魯克林博物館，紐約布魯克林；“虛構與製造：數字轉向後的建築攝影”，里斯本藝術、建築和技術博物館，2019年；“209 Women”，倫敦國會大樓，2018年；“世界上的一個位置”，諾里奇藝術大學東畫廊，諾福克，2018年；“透明度”，利物浦沃克藝術畫廊，2017年；“黑色方塊的冒險：1915 – 2015年間抽象藝術與社會”，倫敦白教堂畫廊，2015年。 2018年，MACK出版了《Hannah Starkey: Photographs 1997-2017》，並且在2022年赫普沃斯菲爾德的展覽“In Real Life”期間，出版了漢娜·斯塔基作品的專題畫冊。

Tate Britain 于伦敦呈现“Now You See Us: Women Artists in Britain 1520-1920”展览，这个雄心勃勃的群展追溯了女性艺术家在获得专业认可的领域上400年的历程。这一旅程为未来的几代铺平了道路，并确立了在英国艺术界成为一名女性意味着什么。展览涵盖了女性公开以专业艺术家身份工作的时期，尽管这违反了社会的预期。 展览汇集超过100位艺术家的作品，庆祝了包括阿尔特米西亚·詹蒂莱斯基（Artemisia Gentileschi）、安吉莉卡·考夫曼（Angelica Kauffman）、朱莉娅·玛格丽特·卡梅隆（Julia Margaret Cameron）和格温·约翰（Gwen John）在内的知名名字，同时还有许多目前正在被重新发现的艺术家。这些艺术家的职业生涯与她们所创作的作品一样多样化：一些人在被认为适合女性的领域，如水彩风景画和家庭场景中取胜；其他人则勇敢地涉足男性主导的主题，如战争场景和裸体，或为获得训练和专业机构会员资格的平等机会而斗争。Tate Britain的展览通过展出超过200件作品，包括油画、水彩画、粉彩画、雕塑、摄影和“针绘”来讲述这些开拓者的故事。 “Now You See Us”从都铎宫廷开始，展出了利维娜·特林克（Levina Teerlinc）四十年来首次汇集在一起的微型画，以及埃斯特·英格利斯（Esther Inglis）的手稿，这些手稿包含了英国已知最早的女性艺术家自画像。展览重点关注17世纪和艺术史上最著名的女性艺术家之一阿尔特米西亚·詹蒂莱斯基，她在查尔斯一世的伦敦宫廷创作了重要作品，包括首次从皇家收藏借出的《苏珊娜和长老们 1638-40》。展览还关注了如玛丽·比尔（Mary Beale）、琼·卡莱尔（Joan...

2024年1月24日开幕<br>豪瑟沃斯香港中环新址开幕，首展呈现中国艺术家张恩利个展 豪瑟沃斯香港中环的临街新址于2024年1月24日开幕，首展呈现中国艺术家张恩利个展「脸」。画廊新空间坐落于香港中环皇后大道中8号，位于历史悠久的雪厂街、都爹利街及皇后大道中交界，由塞尔多夫建筑事务所（Selldorf Architects）主导设计。 张恩利于2006年加入豪瑟沃斯，是画廊代理的首位亚洲艺术家。张恩利在国内外举办过许多展览，包括在豪瑟沃斯纽约、伦敦、萨默塞特及苏黎世的空间。个展「脸」是艺术家在豪瑟沃斯亚洲举办的首个个展。 “豪瑟沃斯香港新空间，于中环核心地段临街而立。该空间由塞尔多夫建筑事务所设计，地理位置优越，既可为我们的艺术家提供振奋人心的展览机会，也能更好地迎接来自香港本地、亚洲及世界各地的观众与社群。 伊万·沃斯，总裁 “我们非常期待以张恩利的展览开启我们在香港中心区的全新画廊。这座城市对艺术与收藏的热情持续高涨，相信我们临街的新空间也将为艺术展示、观看与学习提供更好的体验，并且帮助我们将艺术家的作品带给更广泛的观众。” 郭心怡，亚洲区管理合伙人 Zhang Enli Art Museum Director 2022 Oil on canvas 250 x 200 cm / 98 3/8 x 78 3/4 in ©️ Zhang Enli Courtesy the artist and...